Releases! Releases! Releases!

A Plague Of Lighthouse Keepers - Towers Of Silence

Ein Projekt mit Joost Verhagen (Gesang/Synthesizer) und Wouter Schaatsbergen (Gitarre/Viola), das im Zeitalter der KI auf rohe, authentische Musik setzt. Experimenteller Metal, der Sludge, Doom, Post-Metal, Free Jazz und Drone miteinander verbindet. Der Name der Band leitet sich von einer klassischen Suite der Van der Graaf Generator ab. Wenn du schon immer wissen wolltest, wie eine existenzielle Krise klingt, wenn sie ein 20-minütiges Ritual wäre, dann hast du es hier. Es ist Outrage-Porn für die Ohren, der hypnotische Wiederholungen mit überwältigenden Ausbrüchen von Chaos vermischt. Es ist heavy genug, um deinen Schädel zum Beben zu bringen, enthält aber auch eine Shruti-Box und eine Viola, was das Ganze wie eine sehr laute, sehr wütende Yoga-Session in einem Leuchtturm wirken lässt.

Abigail Lapell - Shadow Child

Eine Multi-Instrumentalistin und vierfache Gewinnerin des Canadian Folk Music Award. Dieses Album wurde von Colin Stewart produziert, während Lapell schwanger war. Indie-Folk und Americana. Beeinflusst von Künstlerinnen wie Natalie Merchant und Gillian Welch, mit schlichten akustischen Arrangements mit Baritongitarre, Klavier und Akkordeon. Dies ist ein Schwangerschaftszyklus in akustischer Form, aber erwarten Sie kein zuckersüßes Babysprechen. Es ist ein ehrlicher, manchmal eindringlicher Blick auf das Muttersein, der maritime Tragödien und kleine Kannibalen als Metaphern verwendet. Es ist schnörkellos, poetisch und perfekt zum Muttertag getimed - wie eine Novelle, die man sich anhören kann, während man auf ein Ultraschallbild oder ein regennasses Fenster starrt.

Acolythus - Unearthly Kingdoms ‘Neath Lifeless Stars

Ein kraftvolles Projekt mit Mitgliedern von Convulse, Sargassus und Jotungrav. Das Album wurde bekanntlich in nur wenigen Wochen geschrieben und aufgenommen, um die rohe, reinste Form der Musik ohne moderne digitale Tricks einzufangen. Traditioneller finnischer Black Metal. Er verbindet geradlinige Aggression mit einem klassischen melodischen Ansatz und weckt Vergleiche mit Emperor, Alghazanth und Behexen. Wenn ihr euren Metal frei von jeglichen Bearbeitungen und Tricks mögt, ist Acolythus genau das Richtige, um euch einen Schlag in die Magengrube zu versetzen. Diese Platte ist wie eine Zeitmaschine zurück in den finnischen Underground der Mitte der 90er - sie ist schnell, böse und melodisch auf genau die richtige gruselige Burg Art. Es ist der Sound von echten Menschen, die echte Instrumente sehr, sehr aggressiv spielen, unter einem Himmel, an dem definitiv keine Sterne zu sehen sind.

Action Bronson - Planet Frog

Dies ist Bronsons achtes Studioalbum, das seine Frog-Ära einläutet - eine kreative Neuausrichtung hin zu Mystik und Selbstreflexion. Produziert wurde es von Größen wie Harry Fraud, Daringer und Bronson selbst. Drumloser abstrakter Hip-Hop, Jazz-Rap und Neo-Psychedelia. Die Produktion ist minimalistisch, oft kommen Schlagzeuge gänzlich zum Einsatz, stattdessen liegt der Fokus auf Loops, Saxophon und Klavierarrangements. Bam Bam Baklava ist offiziell in seine RC-Car-Phase eingetreten, in der er vom Herrn und möglicherweise einem magischen Delfin gesteuert wird. "PLANET FROG" ist ein 33-minütiges Chill-Fest, vollgepackt mit mehr Eigennamen und Luxusreferenzen als ein Designerkatalog. Es ist die Art von Platte, die man hört, während man teures Chutney isst und New Balances in Erdtönen trägt. Introspektiv, schräg und herrlich trommel-frei.

Aghalmar - Ruin

Ein Duo, das aus der Leere und lähmenden Stagnation der Pandemie hervorgegangen ist. Es bedurfte mehrerer Jahre konsequenter Arbeit zwischen 2023 und 2025, um dieses Debütalbum mit sieben Titeln fertigzustellen. Post-Black Metal und Atmospheric Black Metal. Das Album wird als rau, hart und einsam beschrieben, ist jedoch von melancholischer Schönheit und eindringlichen Melodien durchdrungen. "Ruin" ist der perfekte Soundtrack, wenn man durch einen nebligen deutschen Wald wandern und so tun möchte, als wäre man der letzte Mensch auf Erden. Es hat diese raue und einsame Atmosphäre perfekt auf den Punkt gebracht - indem es scharfe, frostige Riffs mit Momenten purer Traurigkeit mischt, die eigentlich ziemlich schön sind. Es ist im Grunde eine 47-minütige akustische Umarmung von einem sehr kalten, sehr lauten Geist.

Alarm! - Failure By Design

Als treibende Kraft in der Hardcore-Szene veröffentlichten sie bereits 2024 ihr selbstbetiteltes Debütalbum. Diese neue Platte wurde im Studio Ryssviken aufgenommen und bei Audiosiege gemastert. Hardcore-Punk, D-Beat und Metallic Hardcore. Sie liefern einen hochintensiven, aggressiven Sound, der in der klassischen schwedischen Underground-Szene verwurzelt ist. Wenn dein Morgenkaffee nicht reicht, dann wird dieses Album es tun. "Failure By Design" trifft wie ein schwedischer Winter - kalt, scharf und absolut belebend. Mit Tracks wie "Birds Still Sing" und "A New Low" sind es 20 Minuten pure, ungefilterte Energie. Es ist im Grunde das musikalische Äquivalent eines Ziegelsteins, der durch ein Fenster geworfen wird, aber mit einem wirklich großartigen Drum-Beat im Hintergrund.

Aldous Harding - Train On The Island

Dies ist ihr fünftes Studioalbum, das in den Rockfield Studios mit ihrem langjährigen Partner und Produzenten John Parish (PJ Harvey, Sparklehorse) aufgenommen wurde. Indie-Folk und Art-Pop. Bekannt für ihren exzentrischen Gesangsstil und ihr unvorhersehbares Songwriting, wird ihr Stil oft als minimalistisch, aber dennoch eigenwillig und poetisch beschrieben. "Train On The Island" ist wie eine Teeparty, bei der alle Gäste verschiedene Versionen von Aldous Hardings Stimme sind und einer von ihnen dir immer wieder Geheimnisse über nackte Eulen erzählt. Es ist herrlich schräg und bietet alles von Pedal Steel bis zur Harfe. Es ist die Art von Musik, die einen dazu bringt, aus dem Fenster zu starren und darüber nachzudenken, Steine und Pflanzen zu essen - im Grunde ein Indie-Folk-Fiebertraum, aus dem man nicht mehr aufwachen möchte.

Amy Grant - The Me That Remains

Eine sechsmalige Grammy-Gewinnerin und eine Größe der amerikanischen Musikszene. Dies ist ihr erstes Album mit komplett neuem, eigenem Material seit 13 Jahren, nachdem sie sich von einer Herzoperation und einem schweren Fahrradunfall erholt hat. Singer-Songwriterin, Pop und zeitgenössische christliche Musik. Es ist ein reduziertes, ehrliches Projekt, das sich auf akustische Klänge und das Erzählen von Geschichten konzentriert. Amy Grant ist zurück und hat ein Sammelalbum ihres Lebens mitgebracht, um es uns zu zeigen. "The Me That Remains" ist ein klarer Blick auf das Überleben und die Gnade. Es gibt weniger Schnickschnack und mehr Seele - mit gemütlichen Duetten mit ihrem Ehemann Vince Gill und Freunden wie Michael W. Smith. Es ist, als säße man auf einer Veranda mit einem alten Freund, der einen Sturm überstanden hat und einfach nur froh ist, die Sonne zu sehen.

Anastasia Kristensen - Bestarium Sombre

Kristensen ist eine feste Größe in der internationalen Clubszene (Fabric, Bassiani). Dies ist ihr lang erwartetes Debütalbum, nachdem sie über Jahre hinweg mit EPs auf Labels wie Houndstooth und Turbo für Aufsehen gesorgt hat. Techno, Bleep, Jungle und IDM. Das Album basiert auf dem Konzept der Anthropomorphic Music, bei dem jeder Track ein klangliches Porträt eines bestimmten Tieres darstellt. Grob übersetzt bedeutet der Titel Versammlung dunkler Bestien - diese Platte ist im Grunde eine Rave-Party in einem verwunschenen Dschungel. Anstelle von kaltem, roboterhaftem Techno verleiht Kristensen ihren Tracks Gesichter - ein Song mag sich anfühlen wie ein geschmeidiges Frettchen, das durch die Schatten huscht, während ein anderer eine Hydraulic Whale ist. Es ist seltsam, farbenfroh und wird dich dazu bringen, wie ein geheimnisvolles Wesen in der Dunkelheit tanzen zu wollen.

Angel Names - Angel Names

Chiara Amalia Bernardini und Nicola Mora, früher bekannt als das Duo KICK, arbeiten schon seit Jahren zusammen. Sie nahmen dieses Debütalbum im Big Tree Studio mit dem Produzenten Elmer Hallsby auf und ließen es von Martin "Konie" Ehrencrona (Viagra Boys) abmischen. Alternative Rock mit einer verträumten Atmosphäre. Das Duo verbindet gegensätzliche Musikgeschmäcker - Chiara fühlt sich zu Dark-, Death- und Black-Metal-Klängen hingezogen, während Nicola Shoegaze und italienische Filmmusik liebt. Es ist, als würde man einen geheimen Garten entdecken, der hinter einer schweren Industrietür verborgen liegt. Sie nennen es Alternative Rock, aber es klingt eher wie ein roter Himmel in der Liebe. Mit zwei Stimmen, die sich durch luftige, schimmernde Gitarrenklänge schlängeln, ist es das perfekte Album, wenn man sich gleichzeitig geheimnisvoll und schwerelos fühlen möchte. Es ist Urwald-Musik für Menschen, die in der Stadt leben.

ARKWAVE - Chapter 1: Everyone Has A Story To Tell

ARKWAVE hat seit 2024 in der Metalcore-Szene stetig an Dynamik gewonnen und zuvor die Single "CONSUME" sowie die EP "SHOW ME SOMETHING TO DIE FOR" veröffentlicht. Vorwiegend Modern Metal, Metalcore und Electronica. Die Band nennt eine Vielzahl von Inspirationsquellen, vom schweren, ätherischen Sound von Spiritbox über die einzigartige Pop-Produktion von Billie Eilish bis hin zur atmosphärischen Präsenz von Sleep Token. Stell dir vor, du liest das geheime Tagebuch einer anderen Person, doch statt Tinte auf Papier werden die Worte vor dem Hintergrund neonbeleuchteter Synthesizer und erderschütternder Breakdowns herausgeschrien. Chapter 1 fühlt sich an wie ein digitaler Beichtstuhl. Es ist stimmungsvoll, heavy und überraschend eingängig. Wenn du Musik suchst, zu der du headbangen und gleichzeitig über die Komplexität menschlicher Beziehungen nachdenken kannst, ist diese EP dein neuer Soundtrack. Es ist Metalcore mit Seele - perfekt für nächtliche Autofahrten, wenn du dich ein bisschen mehr als sonst wie die Hauptfigur fühlst.

Ashley McBryde - Wild

Ein Mitglied der Grand Ole Opry und Grammy-Gewinnerin. Dieses Album knüpft an ihr von der Kritik gefeiertes Werk "The Devil I Know" an und zeigt, wie sie sich noch stärker ihren Rock ’n’ Roll Instinkten hingibt. Country-Rock, Bluegrass und Americana. Beeinflusst vom Geschichtenerzählen von Guy Clark und der rockigen Rauheit von John Mellencamp. Wenn eine Whiskeyflasche und ein Motorrad ein Baby bekämen, würde es so klingen wie dieses Album. "Wild" ist eine Sammlung von Hymnen mit schlechtem Einfluss und Balladen, die man auf der Veranda im Schaukelstuhl genießen kann. McBryde singt mit einer Zero-Filter-Einstellung, die einem das Gefühl gibt, direkt neben ihr auf einem Barhocker zu sitzen. Es ist ehrlich, ausgelassen und gerade so ausgefeilt, dass es im Radio gespielt werden kann, aber roh genug, um die Outlaws bei Laune zu halten.

Basement - WIRED

Nach einer langen Pause und dem legendären Drama rund um ihre "Final Show" vor Jahren hat sich die Band nun wieder vollständig vereint. Dies ist ihre erste neue Musik seit "Beside Myself" aus dem Jahr 2018. Indie-Rock, Emo und Grunge-Revival. Stark beeinflusst vom Seattle-Sound der 90er Jahre, gemischt mit der melodischen Sensibilität des klassischen britischen Indie. Wie der Titel schon andeutet, klingt die Band hier absolut aufgeladen. Es ist die perfekte Weiterentwicklung ihres Sounds - knackige Gitarren, herzliche Texte und diese ganz besondere Basement-Atmosphäre, die Nostalgie für einen Sommer weckt, der noch gar nicht stattgefunden hat. Es ist das Comeback-Album, nach dem die Fans so sehnlichst verlangt haben, und es fühlt sich an, als wären sie nie weg gewesen.

Beyond Awareness - Reflections

Die Band, die aus der pulsierenden Metal-Szene von Tampere hervorgegangen ist, hat in den letzten Jahren hochproduzierte Singles veröffentlicht, die Millionen von Streams erzielt haben und sie als den nächsten großen Exportschlager Finnlands positionieren. Moderner Metalcore mit Alternative-Rock-Hooks. Sie verbinden den wuchtigen finnischen Metal-Sound mit melodischen, stadiontauglichen Refrains, beeinflusst von Bands wie Bring Me The Horizon und Architects. "Reflections" ist glänzender Metalcore, wie er im Buche steht. Es hat all die harten Breakdowns, die man für einen Moshpit braucht, aber die Melodien sind so eingängig, dass sie dir im Kopf bleiben, während du deine Einkäufe erledigst. Es ist der Sound einer Band, die in den Spiegel schaut und erkennt, dass sie bereit für die großen Bühnen ist. Hohe Energie, hohe Emotionen und sehr hohe Lautstärke.

Beyond The Styx - Divid

Das seit 2011 aktive Quintett hat sich einen Ruf als einer der explosivsten Live-Acts Frankreichs erarbeitet. Sie sind bekannt für ihren ethischen Umgang mit Musik, der oft soziale und ökologische Themen aufgreift. Hardcore, Metalcore und Thrash. Ihr Sound ist ein Crossover-Angriff, der von der rohen Energie von Hatebreed und der technischen Aggressivität von The Ghost Inside beeinflusst ist. "DIVID" ist im Grunde ein 30-minütiges Hochintensitäts-Workout für deine Nackenmuskeln. Es ist apokalyptischer Hardcore, der klingt, als würde eine Abrisskugel gegen eine Wand aus Marshall-Verstärkern prallen. Es ist düster, gnadenlos heavy und perfekt, wenn du das Gefühl haben willst, in einer regnerischen Gasse eine Revolution anzuführen.

Bird’s View - Above Chaos

Dieses aufstrebende deutsche Quartett war bereits mit Größen wie Soulfly und 311 auf Tour. Das Album wurde vom legendären Kurt Ebelhäuser (Donots, Guano Apes) produziert. Alternative Rock und Punk-Spirit. Beeinflusst von der rohen, ungeschliffenen Energie der 90er Jahre und dem modernen Orgcore-Punk. "Above Chaos" ist ein musikalischer Befreiungsschlag, der wie ein koffeinhaltiger Kopfstoß wirkt. Es ist explosiv, laut und herrlich ungeschliffen und fängt die innere Unruhe einer Generation ein, die einfach mal eine echte Gitarre hören will. Es ist die Art von Platte, die einen dazu bringt, von der Bühne zu springen - oder zumindest vom Sofa -, während man zu Hooks mitschreit, die wie Klebstoff im Gehirn haften bleiben.

Bjørn Berge - Morphine

Berge, zweifacher Gewinner des Spellemannprisen (norwegischer Grammy), hat 13 Studioalben veröffentlicht. Blues-Rock und Roots. Berge wird oft als Hardrocker unter den Bluesmusikern bezeichnet und ist bekannt für sein kraftvolles Spiel auf der 12-saitigen Akustikgitarre und seinen Dirty-Trio-Sound. Berge nimmt den Low-Rock und den minimalistischen Soul der ursprünglichen Morphine und lässt sie durch einen Holzhäcksler aus Delta-Blues-Virtuosität laufen. Es ist düster, stimmungsvoll und klingt, als wäre es in einem Keller während eines norwegischen Winters aufgenommen worden. Wenn du dich jemals gefragt hast, wie Alternative der 90er klingen würde, wenn sie auf einer 12-saitigen Gitarre von einem Mann gespielt würde, der Blitze zum Frühstück isst, dann ist dies deine Antwort.

Black Orchid Empire - Lore

Ein Power-Trio (Paul, Dave und Billy), das für seine unglaublich präzisen, energiegeladenen Auftritte bekannt ist. Durch ihr technisches Können und ihre konzeptionelle Tiefe haben sie sich eine treue Fangemeinde aufgebaut. Progressive Metal und Technical Rock. Ihr Sound ist wild und komplex, beeinflusst von japanischer Folklore und düsteren Erzählungen. "Lore" ist ein intelligentes, technisches Meisterwerk, das dennoch nicht an Durchschlagskraft einbüßt. Es ist von Folklore inspirierter Metal, der klingt, als würde ein Mythos in einem modernen Aufnahmestudio zum Leben erweckt. Mit Titeln wie "Scissormouth" und "Tristar" schafft es die Band, unglaublich komplex zu sein, ohne dabei die Hooks zu verlieren, die zum Headbangen animieren. Es ist im Grunde ein Geschichtsbuch, geschrieben in Gitarrensoli.

Black Veil Brides - Vindicate

Die 2006 gegründete Band wird von Andy Biersack geleitet. Dies ist ihr erstes Album, das vollständig von Biersack und dem Gitarristen Jake Pitts produziert wurde und eine Ära vollständiger kreativer Kontrolle einläutet. Gothic Rock, Metalcore und Heavy Metal. Dieses siebte Album ist eine aggressive Wiedergeburt für die Band, bei der ihre theatralischen Vaudeville-Wurzeln mit kraftvollen Metalcore-Einflüssen und Kooperationen mit Künstlern wie Robb Flynn (Machine Head) und Lilith Czar verschmelzen. "Vindicate" ist das Ergebnis einer Kreuzung aus einem viktorianischen Zirkus und einer rasanten Verfolgungsjagd. Es ist laut, es ist dramatisch und es steckt mehr Rache pro Quadratzentimeter darin als in einem klassischen Horrorfilm. Der herausragende Titel "Cut" ist im Grunde eine Live-Action-Version von "Corpse Bride" in Songform - düster, romantisch und gerade heavy genug, um deine Seele zu erschüttern.

Blak Saagan - Un Sequestro Lungo 10.000 Anni

Das Projekt des venezianischen Komponisten Samuele Gottardello. Nach seinem gefeierten Album "Se Ci Fosse La Luce Sarebbe Bellissimo" aus dem Jahr 2022 ist dieses neue Projekt eine Zusammenarbeit mit dem iranischen Illustrator Majid Bita. Experimentelle Elektronik, Krautrock und Darksynth. Eine weitläufige Fourth-World-Vision, die Rave-Up-Sounds der 80er Jahre, meditativen Trance und industrielle Geräusche miteinander verbindet. Dies ist nicht nur ein Album; es ist eine 10.000-jährige Zeitreise. Mit einer Länge von fast zwei Stunden ist es ein gewaltiger, dystopischer Soundtrack für eine Stadt, die es noch nicht gibt. Es fühlt sich an, als würde man durch ein futuristisches Museum wandern, in dem die Exponate schreien - allerdings auf eine sehr rhythmische, synthesizerlastige Art und Weise. Es ist dicht, politisch und perfekt, wenn man einen Nachmittag lang in eine andere Dimension entschwinden möchte.

BloodRedNails - Poems About...

Als aufstrebende Stars der finnischen Metal-Szene hat die Band mit energiegeladenen Singles wie "My Wrath" und einer mitreißenden Social-Media-Präsenz (einschließlich einiger erstklassiger Band-Memes) für große Vorfreude gesorgt. Melodic Death Metal. Der Sound ist in der klassischen finnischen Tradition verwurzelt - erwartet vernichtende Riffs, hochfliegende melodische Leads und eine ausgewogene Mischung aus Aggression und Atmosphäre. Lass dich vom Wort "Poems" nicht täuschen - das sind nicht die Gedichte, die man in einer ruhigen Bibliothek liest. Das ist ein Blitz finnischer Wut, der wie ein Schneesturm einschlägt. Es ist elegant genug, um als poetisch bezeichnet zu werden, aber heavy genug, um in deinem Wohnzimmer einen Moshpit zu entfachen. Es fängt dieses spezifische finnische Talent ein, tiefe Trauer wie ein grandioses Headbanger-Abenteuer klingen zu lassen.

Bong Voyage - Hedonistic Hard Rock

Eine fünfköpfige Supergroup der Osloer Underground-Szene, bestehend aus Mitgliedern etablierter Bands wie Håndgemeng, Suncraft und Buskas. Sie machten sich mit Independent-Singles wie "Space Cocaine" einen Namen, bevor sie bei Ripple Music unter Vertrag genommen wurden. Hochoktaniger Hard Rock, Stoner Rock und skandinavischer Rock’n’Roll. Die Band bezeichnet es als Hommage an die Musik, die deine Mutter dazu gebracht hat, sich in deinen Vater zu verlieben. Stell dir die Prahlerei von Thin Lizzy gemischt mit modernen, fuzzgetränkten Stoner-Vibes vor. "Hedonistic Hard Rock" ist genau das, was der Name verspricht: eine 40-minütige Einladung, die Realität hinter sich zu lassen. Mit Songtiteln wie "One Hundred Million Billion Beers" und "Escape Prison Planet Earth" ist es der ultimative Soundtrack für eine Spelunke am Ende des Universums. Es ist laut, es ist schmierig und es hat absolut null Interesse daran, erwachsen zu sein.

Brendan Perkins - Trading River Songs

Perkins ist ein multi-instrumentaler Komponist, der fast alle Instrumente auf dem Album selbst spielt, wobei Helen Flunder bei ausgewählten Titeln als Gastsängerin mitwirkt. Symphonischer und pastoraler Progressive Rock. Beeinflusst von den erzählerischen Traditionen des britischen Prog, mit virtuoser Akustikgitarre, mitreißenden Keyboards und kraftvollen Basslinien. "Trading River Songs" fühlt sich an wie ein langer Nachmittag an einem ruhigen Bach, der sich gelegentlich in einen tosenden Wasserfall verwandelt. Es ist elegant und atmosphärisch, verzichtet auf technische Effekthascherei zugunsten von Melodien, die die Seele einbalsamieren. Es ist im Grunde ohrmassierende Musik für Menschen, die noch immer einen 10-minütigen Song über die Skyline zu schätzen wissen.

Brigata Vendetta - The Disease and The Cure

Ein Trio aus erfahrenen Musikern, bestehend aus Darrel Wojick und Mike Caputo (von Harrington Saints) sowie dem Schlagzeuger Brian Zobel (Bum City Saints). Hardcore-Punk und Streetpunk. Stark vom Hardcore der 80er Jahre inspiriert, entfernt sich die Band von den früheren Oi!-Wurzeln ihrer Mitglieder hin zu einem schnelleren, aggressiveren Circle-Pit-Sound. Dieses Album ist eine Molotow-Bombe, die auf moderne Machtstrukturen geworfen wird. Es ist knallhart, böse und unglaublich wütend, wird aber auch überraschend persönlich und setzt sich zwischen den schweren Riffs mit Verlust und Reifeprozessen auseinander. Wenn du etwas brauchst, um eine Verfolgungsjagd durch einen Industriepark anzuheizen, ist dies dein Soundtrack.

Brother Wallace - Electric Love

Der Sänger, Pianist und Soul-Revivalist Brother Wallace wuchs im Süden der USA auf, wo er sein Können in der Kirche verfeinerte, bevor er in die weltliche Soul-Szene wechselte. Soul, R&B und Gospel-Revival. Stark beeinflusst vom Stax-and-Satin-Sound der 60er und 70er Jahre, verbindet er sexy Soul mit traditioneller, in der Kirche gewachsener Inbrunst. Diese Platte ist buchstäblich ein Sonnenstrahl in Audioform. Sie hat diesen Vintage-Charme, der Lust macht, mit einem klassischen Cadillac eine staubige Straße entlangzufahren, aber mit einem modernen elektrischen Funken, der verhindert, dass sie sich wie ein Museumsstück anfühlt. Brother Wallace singt nicht nur; er bezeugt Liebe, Freude und den Kampf, beides zu finden. Es ist groß, bläserlastig und unglaublich geschmeidig.

Buildings and Food - Yutori

Ein Projekt, das die Beziehung zwischen Struktur (Gebäuden) und Lebensgrundlage (Essen/Kultur) in den Mittelpunkt stellt. Sie sind bekannt für ihre akribische, detailgetreue Produktion, die oft über kleine Vinyl-Labels veröffentlicht wird. Post-Rock, Ambient und Instrumental-Indie. Beeinflusst von den Klangtexturen legendärer Acts wie Tortoise und (angesichts ihres Namens wenig überraschend) den kunstvollen Klangüberlagerungen der Talking Heads. "Yutori" ist ein japanischer Begriff, der sich auf Raum zum Atmen bezieht, und genau das bietet dieses Album. Es ist das musikalische Äquivalent eines perfekt aufgeräumten Schreibtisches in einem sonnendurchfluteten Raum. Die Beats sind gleichmäßig, die Synthesizer klangen üppig, und das Ganze fühlt sich an wie eine warme, instrumentale Umarmung. Es ist perfekt für den klugen Menschen, der sich ohne die Ablenkung durch Texte entspannen möchte.

Captain Asshole - I’m Having More Fun Than You

Das 2016 gegründete Trio ist bekannt für seinen kompromisslosen Ansatz und seine energiegeladenen Live-Auftritte, darunter Tourneen beim legendären "The Fest" in Florida. Melodischer Punkrock und Pop-Punk, oft als Orgcore bezeichnet. Zu ihren Einflüssen zählen The Copyrights, Latterman und Dear Landlord. Trotz des aggressiven Namens sind die Songs eigentlich melodische, eingängige Hymnen für alle, die es geschafft haben, nicht aufzugeben. Es ist Musik, zu der man an einem lauen Abend mit Freunden ein kühles Bier trinken kann. Freut euch auf Chorstimmen, selbstironische Texte und genug Energie, um eine leere Autobatterie wieder zum Laufen zu bringen.

Carlo Muscat - That's About It

Ein produktiver Saxophonist und Komponist, der in der europäischen Szene anerkannt ist. Dieses Album wurde im Dezember 2025 in Kiew, Ukraine, inmitten von Luftschutzsirenen und Stromausfällen aufgenommen und präsentiert eine Band aus lokalen ukrainischen Musikern. Zeitgenössischer Jazz mit Schwerpunkt auf der Balladentradition. Die Einflüsse reichen von Wayne Shorter bis Mark Turner. Unter Druck aufgenommen, aber bemerkenswert raffiniert klingend, ist "That's About It" der Beweis dafür, dass große Kunst auch in der Dunkelheit gedeiht. Es ist gefühlvoll, ausdrucksstark und zutiefst mitreißend. Wenn Sie Musik suchen, die sich anfühlt wie ein warmes Gespräch in einem kerzenbeleuchteten Raum, während draußen ein Sturm tobt, dann ist dies Ihr Soundtrack.

CHASE WRIGHT - CHASING SHADOWS

Ein aufstrebender Künstler aus Nashville. Dies ist sein drittes Studioalbum, das in einer Zeit des Wandels, der Heilung und seiner neuen Rolle als Vater entstanden ist. Country-Pop und Modern Country. Chase Wright nimmt uns mit auf eine Reise von Herzschmerz zur Heilung. "Chasing Shadows" ist verletzlich, ehrlich und voller Songs, die sich anfühlen wie nächtliche Reflexionen im Rückspiegel. Es geht darum, loszulassen, wer man war, um herauszufinden, wer man sein soll - im Grunde ein 51-minütiger Leitfaden, wie man einen Sturm übersteht und auf der anderen Seite mit einem wirklich guten Refrain wieder herauskommt.

Chinese American Bear - Dim Sum & Then Some

Ein Ehepaar, bestehend aus Anne Tong (klassische Klavierausbildung) und Bryce Barsten (Fan von MGMT und Sly Stone). Dies ist ihr drittes Studioalbum, das auf ihr zweites Album "Wah!!!" folgt. Eine spritzige, psychedelische Mischung aus Indie-Pop und Mandopop. Zu den Einflüssen zählen The Flaming Lips, The Beach Boys und Dusty Springfield, wobei die Band ihren Sound selbst als hätten sie ein Baby mit einem Care Bear beschreibt. Dieses Album ist wie ein zuckersüßer, neonfarbener Traum, in dem alles essbar ist und nichts wehtut. Es ist vollgepackt mit Songs über die einfachen Freuden - hauptsächlich Essen und lustiger, simpler Unsinn -, dargeboten mit trippigen Synthesizern und einem Lächeln. Es ist das musikalische Äquivalent eines Dim-Sum-Festmahls, bei dem die Teigtaschen einem Superkräfte verleihen.

Chris Brown - Brown

Sein zwölftes Solo-Studioalbum. Brown gewann kürzlich bei den Grammys 2025 den Preis für das beste R&B-Album für "11:11 (Deluxe)" und hat damit die Messlatte für dieses Nachfolgealbum hoch gelegt. Eine gewaltige Mischung aus 27 Tracks mit R&B, Hip-Hop und Soul. Der Titel ist gleichzeitig ein Akronym für "Break Rules Only When Necessary". Wenn Sie 92 Minuten Zeit haben, hat Chris Brown seinen Nachnamen in ein ganzes filmisches Universum verwandelt. Es ist eine Night of Soul, vollgepackt mit Gaststars wie Lucky Daye, Bryson Tiller und GloRilla. Das Cover ist eine direkte Hommage an Michael Jacksons "Thriller", und die Musik ist ebenso ambitioniert - sie reicht von Juke-Joint-Vibes der 1930er Jahre bis hin zu energiegeladenen Sommer-Club-Hymnen. Es ist im Grunde ein Festival in einem einzigen Download.

Chris Potter - Alive With Ghosts Today

Als meisterhafter Saxophonist und Komponist leitet Potter ein beeindruckendes Ensemble, zu dem Bill Frisell (Gitarre), Nate Smith (Schlagzeug) und Sara Caswell (Violine) gehören. Zeitgenössischer Jazz, angereichert mit Blues, Gospel, afrikanischen Rhythmen und Country. Dies ist nicht nur eine Jazzplatte; es ist ein mythisches amerikanisches Porträt, gemalt mit Blech- und Holzblasinstrumenten. Sie ist kraftvoll, improvisiert und ein wenig eindringlich - die Art von Album, die das Gefühl vermittelt, dass Geschichte sich direkt hier im Raum mit dir abspielt. Im Grunde ist es eine Meisterklasse darin, wie man einen Kampf des 19. Jahrhunderts in einen Groove des 21. Jahrhunderts verwandelt.

Cittizins - The Last Resort

Cittizins ist ein Gemeinschaftsprojekt im Stil einer Supergroup, an dem Mitglieder etablierter Bands wie Haywire (insbesondere Haywire 617), Forced Reality, Soulless und Blood For Blood beteiligt sind. Dabei handelt es sich um Schwergewichte der amerikanischen Oi!- und Hardcore-Szene. Oi!, Streetpunk und Hardcore. Die Band orientiert sich an den Skinhead-Hymnen der 80er Jahre - man denke an The Last Resort, The 4-Skins und The Business -, verleiht ihnen aber einen viel härteren Boston-Style-Punch. Wenn du Musik magst, die wie eine Kneipenschlägerei klingt, die in eine brüderliche Umarmung übergeht, dann ist das hier genau das Richtige. Cittizins fängt diese rohe, raue East-Coast-Aggression ein. Es ist nicht ausgefeilt, es ist nichts für das Radio und es kommen definitiv keine Synthesizer zum Einsatz.

Civil Villains - A Sleeper, Underneath

Ein talentiertes Trio (James King, Toby Warren und Mark) mit ausgeprägter DIY-Einstellung, das dafür bekannt ist, seine Tourneen selbst zu organisieren und math-y anmutende, kantige Riffs mit ätherischen Passagen zu verbinden. Eine kreative und experimentelle Mischung aus Alternative Rock und Post-Hardcore. Die Band nennt Alexisonfire und La Dispute als wichtige Einflüsse für ihre ausgereiften, abwechslungsreichen Klanglandschaften. Das anzuhören ist wie eine wunderschöne, rasante Verfolgungsjagd, bei der der Fahrer alle fünf Minuten den Radiosender wechselt, um etwas Cooleres zu hören. Es gibt theatralische Gesangspassagen und Math-Rock-Riffs, die eigentlich nicht zusammenpassen sollten, es aber irgendwie doch tun. Es ist ausgereift, komplex und perfekt, wenn man sich ein bisschen schlauer fühlen möchte als alle anderen im Raum.

Comastatic - LIVE FAST DIE YOUNG

Ein dynamisches Duo aus Zürich, das die Aufmerksamkeit von Hopeless Records auf sich zog, nachdem es mit namhaften Produzenten wie Stevie Knight und Matt Malpass zusammengearbeitet hatte. Alternative Rock, Pop-Punk und Rapcore. Die Band sprengt Genregrenzen und mischt energiegeladene Riffs mit elektronischen Elementen und Gastbeiträgen von Künstlern wie Point North und Yours Truly. Dieses Album ist im Grunde genommen ein Zuckerschock in akustischer Form. Es ist laut, es ist rebellisch und es will definitiv nicht früh ins Bett gehen. Mit Tracks wie "American Nightmare" und "Self Sabotage" fängt es diese hektische, im Moment lebende Energie ein, die jung und ein bisschen chaotisch ist. Es ist die Art von Platte, die Lust macht, sich die Haare in einer knalligen Farbe zu färben und mit dem Skateboard in den Sonnenuntergang zu fahren.

Conjuring - Memento Mori

Es handelt sich um ein Ein-Mann-Projekt unter der Leitung des Multi-Instrumentalisten Alvar. Er übernimmt alle Instrumente und den Gesang und widmet sich dabei Themen wie der Sterblichkeit und dem ewigen Kreislauf der Natur. Atmosphärischer Black Metal. Er verbindet melancholische Tremolo-Passagen mit eindringlichen, von der Natur inspirierten Klanglandschaften. Fans von stimmungsvollem, landschaftsbezogenen Metal werden hier Ähnlichkeiten zum Cascadian-Stil erkennen, jedoch mit einer ausgeprägten alpinen Kühle. Das Anhören dieser Platte ist, als würde man sich in einem Schneesturm auf einem Schweizer Gipfel verirren - aber auf eine seltsam friedliche Art und Weise. Es ist andächtige Musik für Outdoor-Fans, die einen düsteren Wald einem sonnigen Strand vorziehen. Die Produktion ist klar, aber die Emotionen sind roh, was sie zum perfekten Soundtrack macht, um auf ein beschlagenes Fenster zu starren und über die Vergänglichkeit des Lebens nachzudenken.

Conscious Pilot - Human Poultry

Als aufstrebende Größe in der britischen Indie-Szene sind sie bekannt für ihre rasanten Live-Auftritte und Texte, die die Absurdität des modernen Lebens mit trockenem schottischem Humor auf den Punkt bringen. Post-Punk und Art-Rock. Ihre Einflüsse reichen von der nervösen Energie von Gang of Four bis hin zur modernen Spoken-Word-Intensität von The Murder Capital oder Fontaines D.C.. Bei einem Titel wie "Human Poultry" weiß man schon, dass man etwas leicht Verrücktes erwartet. Diese EP ist eine zuckende, nervöse und brillante Sammlung von Songs, die klingen, als wären sie während einer Koffeinüberdosis geschrieben worden. Sie ist kantig, sie ist rhythmisch und sie ist sehr, sehr clever. Sie ist der perfekte Soundtrack, um schnell durch eine überfüllte Stadt zu laufen, während man sich vage über alle um einen herum ärgert.

Crashdïet - Art of Chaos

Die im Jahr 2000 gegründete Band hat zahlreiche Besetzungswechsel und persönliche Schicksalsschläge überstanden und ist nach wie vor die unangefochtene Nummer eins der schwedischen Underground-Szene. Dieses Album setzt ihre Serie energiegeladener Big-Hair-Hymnen fort. Sleaze Rock und Glam Metal. Sie sind die Fahnenträger der New Wave of Swedish Sleaze und stark beeinflusst von 80er-Legenden wie Mötley Crüe, Skid Row und Guns N’ Roses. Wenn Lederhosen, verschmierter Eyeliner und fragwürdige Lebensentscheidungen einen Sound hätten, wäre es dieser. Art of Chaos ist laut, provokant und herrlich eingängig. Es ist die Art von Musik, die Lust macht, mit einem Cabrio durch eine Mauer zu fahren, während man etwas Kohlensäurehaltiges in Neonfarben trinkt. Es ist ein totaler Rückblick, der sich im Jahr 2026 irgendwie perfekt zu Hause fühlt.

Croz Boyce - Croz Boyce

Das Projekt entstand aus der Zusammenarbeit der langjährigen Freunde und Bandkollegen Portner (aus den Blue Ridge Mountains, North Carolina) und Weitz (aus Washington, D.C.). Der Anstoß für ihre Zusammenarbeit als Duo kam durch die gemeinsame Arbeit an dem Titel "Brown Thrasher" für die Compilation "For the Birds" aus dem Jahr 2022. Die Dynamik gefiel ihnen so gut, dass sie während der Pandemie weiterhin Musik schufen, indem sie digitale Dateien hin und her schickten. Das Album ist eine instrumentale Mischung aus psychedelischem Ambient, experimentellem Folk und hausgemachten elektronischen Texturen. Wenn Animal Collective ein maximalistisches Feuerwerk ist, dann ist Croz Boyce der ruhige Morgen danach, an dem man nach coolen Steinen im Bach sucht. Es ist eine riskante Nacht voller Drogenexperimente ohne den Horror-Trip - nur zwei alte Freunde, die sich über Staatsgrenzen hinweg Postkarten aus Klang schicken. In einem Moment schwebt man durch die psychedelische Atmosphäre von "Steven’s Sunshine Rejected", im nächsten navigiert man durch die spärlichen, abenteuerlichen Klang-Epen von "Towson Acid". Es ist Musik, die sich weigert, stillzustehen, und die Gesangsharmonien gegen ein fragmentarisches instrumentales Gespräch eintauscht, das sich wie ein süßer Balsam für das Alltägliche anfühlt.

Cyborg Zero - Zero

Das Projekt wird von dem maskierten Sänger und Gitarristen Cyborg Zero (ehemals The Cyborgs) geleitet, der derzeit in Italien lebt. Cyborg Zero tourte fast ein Jahrzehnt lang um die Welt und stand mit Ikonen wie Iggy Pop, Bruce Springsteen und Jeff Beck auf der Bühne. Dieses Projekt ist eine Rückkehr zu seinen Wurzeln: eine schnörkellose, mitreißende Zwei-Mann-Show. Es ist eine raue Mischung aus Punk-Blues, Rock’n’Roll und Garage Rock, mit starken Anklängen an Stoner Rock und Indie-Rock-Groove. Wenn du dich jemals gefragt hast, was passieren würde, wenn ein Bluesmusiker der 1930er Jahre in einer postapokalyptischen Garage aus Altmetall wieder zusammengebaut würde, dann ist Zero die Antwort. Es ist ein Vollgas-Klangangriff, der Synthesizer gegen übersteuerte Gitarrenriffs und ein Schlagzeug eintauscht, das klingt, als würde es mit einem Vorschlaghammer bearbeitet. Das Thema ist dystopischer Blues - es ist Musik für eine Wüstenöde, in der nur noch ein batteriebetriebener Verstärker und eine schlechte Laune übrig sind. Es ist schnörkellos, knallhart und trotz der Robotermasken durch und durch menschlich.

Darkthrone - Pre-Historic Metal

Fenriz und Nocturno Culto sind die Begründer des True Norwegian Black Metal, doch in den letzten zwei Jahrzehnten haben sie sich zu einer lebenden Enzyklopädie des Underground-Metals der 80er Jahre gewandelt. Black Metal, Speed Metal und traditioneller Heavy Metal. Das ist eine Zeitmaschine für Metal-Nerds. Es ist roh, es ist krustig, und es klingt, als wäre es in einem feuchten norwegischen Keller mit einem einzigen Mikrofon aus den 1970er Jahren aufgenommen worden - und genau deshalb ist es großartig. Es fängt jenen Moment ein, als die Band vom Death Metal zu dem kalten Sound überging, der eine ganze Generation prägte. Es ist nicht raffiniert, es ist prähistorisch - hässlich, primitiv und für die Kult-Anhänger absolut unverzichtbar.

Deb Never - ARCADE

Deb Never, die früher mit BROCKHAMPTON und Dominic Fike zusammengearbeitet hat, war jahrelang ein Kultliebling in der Sad-Girl-Pop-Szene, bevor sie nun endlich ihr Debütalbum veröffentlichte. Alternative Pop und Lo-Fi-Indie. Ihr Sound verwischt Genregrenzen und verbindet stimmungsvolle Alternative-Rock-Texturen der 90er Jahre mit modernem Bedroom Pop und Trap-beeinflussten Rhythmen. Nach Jahren voller EPs beschert uns Deb nun endlich das volle cineastische Erlebnis. "ARCADE" fühlt sich an, als würde man um 3 Uhr morgens durch eine neonbeleuchtete Stadt fahren, während man sich ein wenig einsam, aber unglaublich cool fühlt. Es hat diese spontane LA-Energie - mal schwebend und süß, mal rau und isoliert. Es ist die Art von Platte, die das in seinem Kopf sein wie einen hochbudgetierten Indie-Film wirken lässt.

DemsFightinWords - Worldwide Beatdown

Seit 2022 haben sie sich einen Namen als eine der härtesten Bands der Underground-Szene im Mittleren Westen gemacht und sind bekannt für energiegeladene Singles wie "Catch a Brick" und "No Excuse". Purer Beatdown-Hardcore. Stark beeinflusst von der Missouri-Hardcore-Szene, mit langsamen, gnadenlosen Breakdowns und aggressivem Gesang im Street-Style. Diese EP ist das musikalische Äquivalent eines Klappstuhls ins Gesicht. Worldwide Beatdown schert sich weder um deine Gefühle noch um deine körperliche Unversehrtheit. Sie ist speziell für Leute gedacht, die einen Konzertsaal in eine Baustelle verwandeln wollen. Wenn du Musik magst, die sich wie ein regelrechter Kampf anhört, ist dies deine Goldmedaille.

DISRUPTR - ESOTERIA

Die Bandmitglieder sind alte Hasen der australischen Tech-Metal-Szene und haben jahrelang daran gearbeitet, einen Sound zu perfektionieren, der mathematische Präzision mit roher, kehliger Aggression verbindet. Progressiver Metalcore mit Djent-Elementen. Man stelle sich technisch anspruchsvolle Percussion vor, gemischt mit kosmischen, Science-Fiction-artigen Synthesizern. "ESOTERIA" ist im Grunde eine Übertragung aus einer fernen, wütenden Galaxie. In einem Moment wird man von einem Breakdown getroffen, der sich wie eine tektonische Verschiebung anfühlt, und im nächsten schwebt man durch ein verträumtes Synth-Solo aus dem Weltraumzeitalter. Es ist intelligenter Metal - die Art von Musik, für deren Spiel man drei Doktortitel braucht, aber nur ein funktionierendes Ohr, um zu erkennen, wie hart sie ist.

Donna Lewis, David Lowe - Wanderlust

Eine Zusammenarbeit zwischen der Platin-Sängerin Donna Lewis (bekannt vor allem für "I Love You, Always Forever") und dem legendären Komponisten und Produzenten David Lowe (Schöpfer der BBC-News-Erkennungsmelodien und des Projekts Touch and Go). Dream Pop trifft auf Indie-Electronica. Das Album ist eine cineastische Reise, die in den nostalgischen Klängen der frühen 2000er-Jahre verwurzelt ist und sich durch schimmernde Synthesizer, hauchzarte Vocals und subtile Rave-Einflüsse auszeichnet. "Wanderlust" ist wie das Finden eines leuchtenden Polaroids in einer alten Rave-Jacke. Es ist ein analoger Seufzer nach einer langen Reise - intim, warm und herrlich stimmungsvoll. Tracks wie "Meet Me" fühlen sich an wie schwebende Momente im Scheinwerferlicht, die die Magie der Vorfreude einfangen, während die Synthesizer dich durch einen Traum tragen, von dem du nicht wusstest, dass du ihn träumst.

DOOMSCOPE - THE STATIC BLINDFOLD

Ein relativ neues Projekt, das aus der Underground-Szene der Ostküste hervorgegangen ist und für seine hochintensiven, von Feedback durchdrungenen Live-Auftritte bekannt ist. Industrial Sludge und Downtempo-Hardcore. Stark beeinflusst von den rauen Texturen des Industrial der 90er Jahre und der erdrückenden Schwere des modernen Slow-Motion-Metals. Diese Platte klingt, als würde eine Fabrik langsam von einer hydraulischen Presse zermalmt. Sie ist hässlich, laut und auf entzückende Weise klaustrophobisch. Das static im Titel ist kein Scherz - über Riffs, die sich mit der Geschwindigkeit abkühlender Lava bewegen, liegen Schichten elektronischen Rauschens. Es ist die Art von Musik, die einen dazu bringt, den Fernseher zerschlagen zu wollen, aber auf eine sehr rhythmische, kathartische Weise.

Draconian - In Somnolent Ruin

Die 1994 gegründete Band ist seit langem eine feste Größe des Genres. Dieses Album markiert ein bedeutendes Comeback der Sängerin Lisa Johansson, deren ätherische Stimme erneut mit Anders Jacobssons tiefen Growls verschmilzt. Meister des Gothic-Doom-Metal. Diese Veröffentlichung setzt ihren charakteristischen "Beauty and the Beast"-Gesangsstil fort und verbindet vernichtende Doom-Riffs mit melancholischen, klagenden Melodien. Dies zu hören ist wie ein langer, langsamer Spaziergang durch einen viktorianischen Friedhof inmitten des Novembernebels. Es ist herrlich trostlos. Die Gitarren wiegen eine Tonne, die Atmosphäre ist so dicht, dass man darin versinken könnte, und Lisas Gesang spendet gerade genug Licht, um die Dunkelheit besonders unheimlich wirken zu lassen. Es ist der perfekte Soundtrack, wenn man sich gleichzeitig poetisch und am Boden zerstört fühlen möchte.

Elder Island - Hello Baby Okay

Ein Trio bestehend aus Katy Sargent (Gesang/Cello), Luke Thornton (Bass/Beats) und David Havard (Gitarre/Keyboard). Sie sind bekannt für ihren Hintergrund in der bildenden Kunst (bildende Kunst, Fotografie, Grafikdesign), der ihre geformten Klanglandschaften stark beeinflusst. Indie-Elektronik, Funk-Pop und House. Es ist viel optimistischer und tanzbarer als ihre früheren, eher melancholischen Werke. Dieses Album fühlt sich an wie ein überbelichtetes Polaroid eines Sommerfestivals. Es ist warm, verträumt und voller sonnenverwöhnter Grooves, die Lust machen, aus dem langweiligen Alltag auszubrechen. Es ist der Sound einer Band, die endlich die Zügel lockert und Freude über Perfektion stellt.

Eradikated - Wiring Of Violence

Früher bekannt als The Generations Army (2014–2021), änderten sie ihren Namen in Eradikated und erhielten für ihr Debütalbum sofort eine Nominierung für den schwedischen Grammy. Moderner Thrash Metal mit starkem Old-School-Einfluss der 80er Jahre. Wenn du die Zeiten vermisst, als es beim Thrash noch um halsbrecherische Geschwindigkeit und präzise, chirurgische Riffs ging, ist dies dein neues Lieblingsalbum. Es ist ein Gemetzel von einem Album, das es schafft, sowohl klassisch als auch frisch zu klingen, und damit beweist, dass schwedischer Metal noch immer jede Menge Biss hat.

Erection - Plug It In

Angeführt von Punk-Queen Julia hat die Band für dieses Album einen Schwergewichtler am Schlagzeug: Vom Ritchie von der legendären deutschen Band Die Toten Hosen. Power-Punk mit Attitüde und Punk’n’Roll. Das ist purer, unverfälschter Spaß. Es ist laut, frech und dafür gedacht, bei maximaler Lautstärke gespielt zu werden. Mit Vom Ritchie am Schlagzeug ist die Energie ansteckend - perfekt für alle, die finden, dass Punk immer noch ein bisschen gefährlich und ziemlich laut sein sollte.

Exploding Head Syndrome - Deathbeds

Die Band wurde 2010 von Sänger Eirik und Gitarrist Morten gegründet, die bereits in den 90er Jahren zusammen gespielt hatten und sich im Alter von 30 Jahren bei einem alkoholreichen Moment wieder zusammenfanden, um eine Band zu gründen. Seitdem tourten sie durch Europa und traten bei großen Festivals wie dem Punk Rock Holiday auf. Eine energiegeladene Mischung aus Hardcore-Punk und melodischem Skate-Punk. Stellt euch die rohe Aggression einer Keller-Schlägerei vor, gemischt mit den eingängigen, mitreißenden Refrains, die man auf einem Tony-Hawk-Soundtrack finden würde. "Deathbeds" ist ihr bisher kompromisslosestes Werk - denkt an wütenden Punk mit einer philosophischen Schärfe.

Fateful Finality - Desolation

Seit 2011 aktiv, wurden sie 2023 zum Thrash-Newcomer des Jahres gekürt. Dies ist ihr sechstes Studioalbum. Moderner Thrash Metal / Heavy Metal. Sie verbinden die Aggressivität des klassischen Thrash mit moderner Gesellschaftskritik und greifen Themen wie Machtmissbrauch und gesellschaftliche Unterdrückung auf. Das ist Thrash für Denker. Während die Riffs darauf ausgelegt sind, Nacken zu brechen, sollen die Texte zum Nachdenken anregen. Es ist hochpräziser, energiegeladener Metal, der beweist, dass deutscher Thrash nach wie vor eine dominierende Kraft ist. Es ist der perfekte Soundtrack für eine Revolution - oder zumindest für einen sehr intensiven Moshpit.

Fir Cone Children - Vs. The Real World

Fir Cone Children ist das überaus produktive Soloprojekt von Alexander Leonard Donat. Seit über einem Jahrzehnt dienen seine beiden Töchter als konzeptionelle Musen für das Projekt. Auf diesem wegweisenden zwölften Album wirken seine Töchter (die nun ins Teenageralter kommen) aktiv an der Musik mit, wobei Tochter Liisu bei Titeln wie dem Album-Opener "St. Vincent" wunderschöne Hintergrundgesangspassagen beisteuert. Dreampunk / Noise-Pop / Shoegaze, der rasante, mitreißende Punkrock-Tempi mit verträumten Bedroom-Pop-Melodien verbindet. Stell dir vor, eine Shoegaze-Band der 90er hätte viel zu viel Espresso getrunken und versucht, ein Pop-Punk-Set zu spielen - das ist das herrliche Chaos von "Vs. The Real World". Donat fängt meisterhaft den hektischen, verwirrenden Übergang seiner Kinder von der Unschuld der Kindheit in die harte Realität des Teenagerlebens, der sozialen Medien und des Schulstresses ein. Die Gitarren dröhnen mit adrenalingeladener Geschwindigkeit, während die süßen Vater-Tochter-Gesangsharmonien dem gesamten Album einen warmen, wohlig-emotionalen Kern verleihen. Es ist schnell, laut, zutiefst sentimental und absolut süchtig machend.

Fire-Toolz - Lavender Networks

Das experimentelle Projekt des Produzenten und Nu-Age-Pioniers Angel Marcloid, der sich eine erfolgreiche Karriere aufgebaut hat, indem er extreme Genres mit New-Age-Ästhetik verbindet. Avantgarde-Metal / IDM / Vaporwave / Cybergrind. Erwarte eine maximalistische Kollision aus Smooth-Jazz-Fusion, Death-Metal-Schreien und glitchigen elektronischen Texturen. Dieses Album ist eine stroboskopbeleuchtete Reise durch einen digitalen Fiebertraum. Es ist emotionale Wahrheit durch Absurdität - ein Wechsel von ruhigen Harfenmelodien zu rasanten Blastbeats innerhalb von Sekunden. Es ist wunderschön, überwältigend und klingt, als hätte das Internet einen Moment der Erleuchtung.

Fleischwolf - Letzte Platte vor der Autobahn

Das 2016 gegründete Trio (Eicky, Ollrich und Tröm) hat ein Jahrzehnt lang seinen charakteristischen Mettcore-Sound in über 300 Live-Auftritten verfeinert. Mettcore / Punk-Thrash / Hardcore. Sie verbinden die rohe Energie des Rotz-Punk der 80er Jahre mit technischem Thrash Metal und Hardcore-Grooves. Dies ist das ultimative Pedal-to-the-Metal-Album. Es ist laut, ungeschliffen und unverhohlen deutsch. Wenn du Musik suchst, die wie eine Kneipenschlägerei in einer Metzgerei klingt - schnell, blutig und überraschend unterhaltsam -, dann ist Fleischwolf genau das Richtige für dich. Das ist High-Speed-Mettcore für die Autobahn.

Forced Order - Undying Spirit

Als herausragende Band der Hardcore-Szene in Südkalifornien schlägt Forced Order eine Brücke zwischen traditionellem Hardcore und dem Metalcore der 90er Jahre. Sie sind bekannt für ihre energiegeladenen Live-Auftritte und ihre kompromisslose Härte. Metallic Hardcore / Thrash. Sie kanalisieren die dunkle, aggressive Energie von Integrity und die Crossover-Geschwindigkeit von Slayer. Freut euch auf rasante Whammy-Bar-Soli und Breakdowns, die den Pits zum Kochen bringen. Dieses Album ist pures Gift. Es ist schnörkellos, knallhart und wie geschaffen für den Moshpit. Es tauscht modernen Schliff gegen einen rohen, ausgebrannten Sound ein, der unglaublich authentisch wirkt. Es ist das perfekte klangliche Äquivalent einer Kneipenschlägerei in einem Gewitter - schnell, gefährlich und absolut berauschend.

Frozen Soul - No Place Of Warmth

Das ist kein technischer, rasender Death Metal. Die Musik basiert auf mittelschnellen, vernichtenden Grooves und eiskalten Bass-Drops, die eher an einen Hardcore-Beatdown oder den rhythmischen Stampftakt von Bolt Thrower erinnern. Sie haben eine gletscherartige Ästhetik perfektioniert - man stelle sich Musik vor, die so kalt ist, dass man mitten im Sommer seinen Atem sehen kann. Eine unerbittliche Mischung aus Metalcore, Beatdown, Metallic Hardcore und Groove Metal. "No Place of Warmth" ist, als säße man in einem Schneesturm fest, in dem die Schneeflocken aus Blei sind. Es ist ein Album, das ausgefallene Gitarrenakrobatik gegen Riffs eintauscht, die wie ein Vorschlaghammer auf die Brust schlagen. Der Groove-Metal-Einfluss ist unbestreitbar; Tracks wie "Dreadnought" haben einen Swing, der einen dazu bringt, im Halb-Tempo zu headbangen, während man über den Wärmetod des Universums nachdenkt. Es ist auch überraschend emotional - Frontmann Chad Green nutzt dieses gefrorene Ödland Thema, um reale Trauer zu verarbeiten, was es zu einem seltenen Death-Metal-Album macht, das ebenso viel Herz wie Horror hat.

Gadget - Coerced

Gadget sind seit Ende der 90er Jahre aktiv und gelten als eine der tragenden Säulen der schwedischen Grindcore-Szene. Bekannt wurden sie über Relapse Records und zeichnen sich durch chirurgische Präzision und unerbittliche Geschwindigkeit aus. Grindcore / Crust Punk. Man stelle sich die Intensität einer Wall of Noise à la Nasum vor, gemischt mit der rohen, politischen Schärfe von Napalm Death. Ihr Sound wird von rasenden Blastbeats und kehligen, zweistimmigen Gesangsattacken geprägt. Das ist kontrolliertes Chaos auf dem Höhepunkt. Mit einer Spielzeit von knapp 10 Minuten lässt "Coerced" dir keine Zeit zum Atmen. Es ist ein akustischer Presslufthammer, der sich anfühlt, als wäre man in einem Hochgeschwindigkeitsmixer voller Kies gefangen. Wenn du in Rekordzeit Dampf ablassen musst, hat Gadget den perfekten Treibstoff dafür bereitgestellt.

General Chaos - Can’t Please ‘Em All

Als knallharte Band aus der Punk-Underground-Szene haben sie sich einen Namen für energiegeladene Live-Auftritte und schnörkelloses Songwriting gemacht. Punkrock / Skate-Punk. Freut euch auf schnelle, aggressive, aber dennoch melodische Songs, die vom klassischen Stomp-Records-Sound beeinflusst sind - denkt an The Planet Smashers oder die frühen Pennywise mit einem modernen, rauen Touch. Der Titel sagt schon alles. Dieses Album ist ein 30-minütiger Ausbruch von schnörkelloser Punk-Energie, die sich nicht darum schert, ausgefeilt zu sein. Es ist das klangliche Äquivalent einer DIY-Keller-Show - schweißtreibend, laut und unglaublich kathartisch. Es ist Musik für Menschen, die immer noch glauben, dass drei Akkorde und eine schlechte Einstellung alles sind, was man braucht, um die Welt zu retten (oder zumindest das Wochenende).

GEORGE - Looking for Consonance

Hollenbeck, der bereits fünfmal für den Grammy nominiert wurde und Guggenheim-Stipendiat ist, gilt als Meister des Schlagzeugs und der Komposition. Er ist der visionäre Kopf hinter dem Claudia Quintet und dafür bekannt, die Grenzen zwischen Modern Jazz, Post-Rock und zeitgenössischer Klassik zu verwischen. Modern Jazz / Avantgarde / Minimalismus. Das Album ist eine konzeptionelle Auseinandersetzung mit Harmonie und Auflösung, beeinflusst von den repetitiven Strukturen Steve Reichs und der improvisatorischen Freiheit der New Yorker Downtown-Szene. Diese Platte ist ein Denkanstoß. Hollenbeck versteht es, komplexe mathematische Muster unglaublich warm und menschlich klingen zu lassen. Es ist ein rhythmisches Puzzle, das sich nach und nach zusammenfügt und ein Gefühl der Konsonanz vermittelt, das sich verdient anfühlt. Es ist raffiniert, verspielt und beweist, warum er einer der angesehensten Architekten der modernen Musik ist.

girli - it’s just my opinion

girli ist seit 2014 eine feste Größe in der Alternative-Pop-Szene und bekannt für ihre DIY-Ästhetik und ihr soziales Engagement. Dies ist ihr drittes Studioalbum nach "Odd One Out" (2019) und "Matriarchy" (2024). Furchtloser Alt-Pop / Pop-Punk / Hyperpop. Sie lässt sich von Tegan and Sara, Lily Allen und Paramore inspirieren und verbindet eingängige Melodien mit Themen wie Feminismus, Queer-Kultur und psychischer Gesundheit. Dieses Album zeigt girli von ihrer authentischsten und unverfälschtesten Seite. Es ist ein melancholischer Knaller, der von Trennungshymnen wie "Romantic Sadness" bis hin zu gesellschaftspolitischen Statements über strukturelle Gewalt reicht. Es fühlt sich an wie ein intimer Tagebucheintrag, vorgetragen über einer clubtauglichen Klanglandschaft - perfekt, wenn man tanzen und gleichzeitig das Patriarchat demontieren will.

glaive, kurtains - God Save The Three

glaive (Ash Gutierrez) und kurtains sind Pioniere der Hyperpop-Bewegung, die bereits als Teenager während der Pandemie über SoundCloud bekannt wurden. Diese Zusammenarbeit zeugt von einer deutlichen Weiterentwicklung ihres Sounds. Hyperpop / Glitch-Pop / Indie-Rock. Obwohl das Projekt in der rasanten, verzerrten Ästhetik ihrer frühen Werke verwurzelt ist, integriert es organischere Midwest-Emo-Gitarrenklänge und Live-Schlagzeug. Das ist digitale Angst in ihrer endgültigen, ausgefeiltesten Form. Es ist chaotisch, hell und leicht überwältigend - als hätte man zwanzig Tabs im Kopf geöffnet, während im Hintergrund jemand sehr laut auf einer Akustikgitarre spielt. Es ist der Sound der Lieblings-Uncs des Internets, die erwachsen werden, ohne ihre Schärfe zu verlieren.

Glass Tides - Safety in Darkness

Glass Tides, ursprünglich als energiegeladene Alternative-Rock-Band gegründet, hat sich mit emotional unverfälschten Texten und einem Post-Hardcore-Touch einen Namen gemacht, der ihnen die Spitze der australischen Indie-Charts eingebracht hat. Alternative Rock / Post-Hardcore. Inspiriert von der düsteren Intensität von The Amity Affliction und der melodischen Rauheit von Hands Like Houses, zeichnet sich ihr Sound durch kraftvollen, mitreißenden Gesang und treibende Gitarrenriffs aus. "Safety in Darkness" ist ein wunderschön stimmungsvolles Album, das sich anfühlt wie eine lange Nacht, in der man in einem neonbeleuchteten Raum grübelt. Es ist kathartisch und laut und schafft einen Ausgleich zwischen schweren Breakdowns und überraschend zarten melodischen Passagen. Es ist der perfekte Soundtrack, wenn man alles auf einmal fühlen möchte - am besten bei maximaler Lautstärke.

Goholor - Locus Damnatorum

Als aufstrebende Kraft in der slowakischen Extreme-Metal-Underground-Szene hat Goholor im letzten Jahr die Vorfreude auf ihr Debütalbum geschürt. Blackened Death Metal. Sie sind stark von der schwedischen Szene der späten 90er Jahre beeinflusst - man denke an Necrophobic und Dissection - und verbinden melodisches Gespür mit purer atmosphärischer Kraft. Für das Mixing und Mastering war der angesehene Tore Stjerna in den Necromorbus Studios verantwortlich. Diese Platte ist ein Labyrinth aus unvergesslichem Metal. Sie vermeidet die Falle eines ziellosen Riff-Salats und setzt stattdessen auf sich windende, dunkle Strukturen, die sich sowohl zeitlos als auch frisch anfühlen. Es ist eine Rückkehr zur Blütezeit des Black/Death, die es schafft, ihre eigene dreckige Persönlichkeit zu entwickeln.

Greenhouse Ensemble - Mezzanine

Ein Super-Ensemble aus New Yorker Jazzmusikern unter der Leitung des Keyboarders Alex Snydman. Sie lassen sich von der Greenhouse-Philosophie des organischen Wachstums inspirieren und schöpfen aus der Fusion-Ära von Miles Davis sowie den modernen, üppigen Klangtexturen von Snarky Puppy. Contemporary Jazz / Fusion / Neo-Soul. Diese Platte ist die ultimative Entspannung nach einem langen Tag. Sie ist raffiniert, luftig und bietet einige der tightesten Rhythmusgruppen, die man dieses Jahr hören wird. Es fühlt sich an, als säße man auf einem Balkon in Manhattan, während die Sonne untergeht - luxuriös, mühelos und sehr, sehr geschmeidig.

Grievance - Lúgubres Devaneios De Abismos E Sombras

Dies ist das Soloprojekt von Korax, einem Veteranen der portugiesischen Underground-Szene. Er ist stark von der zweiten Welle des Black Metal und dem melancholischen, rohen Sound der Les Légions Noires-Bewegung beeinflusst. Raw Black Metal. Freut euch auf schrille Schreie, Lo-Fi-Produktion und ein allgegenwärtiges Gefühl von totaler, erdrückender Trauer. Wenn ihr einen zu guten Tag habt, ist Grievance da, um das zu ändern. Es ist ein wunderschön hässliches Album, das klingt, als wäre es in einem Regenwasserkanal aufgenommen worden. Es ist aggressiv und schnell, aber unter all dem Rauschen verbirgt sich eine seltsame, eindringliche Melodie - wie eine einzelne Kerze, die in einem dunklen, leeren Haus brennt.

Gydja - Níu kom ek heima fyr Niflhel neðan

Gydja ist das Projekt von Abby Helasdottir. Ihr Werk ist tief in nordeuropäischen Traditionen verwurzelt und von der dunklen Seite der nordischen Mythologie - insbesondere der Unterwelt - beeinflusst. Sie lässt sich von den dunklen Ambient-Texturen von Lustmord und dem ritualistischen Folk von Wardruna inspirieren. Ritual Ambient / Dark Ambient. Der Titel bedeutet übersetzt Neun Welten habe ich bereist, hinab vor Niflhel, und die Musik nutzt Knochenpercussion, tiefe Synth-Drones und Flüstern, um eine Reise durch die neun Welten der Toten nachzuempfinden. Dies ist Kopfhörer-Musik für Mutige. Es klingt, als wäre man in einer uralten, eiskalten Höhle gefangen, während Geister die Geschichte des Universums erzählen. Es ist gruselig, höhlenartig und unglaublich immersiv - der perfekte Soundtrack, wenn man sich wie ein mystischer Wikinger fühlen möchte.

Haggard Cat - The Pain That Orbits Life

Ursprünglich ein energiegeladenes Duo (Matt Reynolds und Tom Marsh), haben sie kürzlich ihre Besetzung erweitert, um ihre Grenzen noch weiter zu verschieben. Sie sind bekannt für ihren regelfreien Rock-Ansatz, beeinflusst von der rasenden Energie von The Dillinger Escape Plan und der bluesigen Rauheit von The White Stripes. Post-Hardcore / Noise Rock / Alternative Rock. Diese Platte ist ein wunderschön kontrollierter Autounfall. Sie ist zerklüftet, unberechenbar und knistert vor einer Mir-ist-alles-egal-Haltung. Es fühlt sich an wie eine Panikattacke, zu der man tatsächlich grooven kann. Haggard Cat haben die Kunst gemeistert, Noise wie eine Stadionhymne klingen zu lassen, und diese neueste Veröffentlichung ist ihr bisher ambitioniertester Ausflug.

Harms - Rebirth Of The Cold

Harms ist ein Soloprojekt, das tief in der zweiten Welle des Black Metal verwurzelt ist. Beeinflusst von Pionieren wie Darkthrone und den frühen Enslaved konzentriert sich das Projekt auf die primitive und atmosphärische Seite des Genres. Atmosphärischer Black Metal / Post Black Metal / Post Metal. Erwartet eine Lo-Fi-Produktion, Tremolo-Picking in Schneesturmgeschwindigkeit und ein allgegenwärtiges Gefühl von Isolation und Winter. Diese Platte ist ein akustisches Eisbad. Sie ist ungeschliffen, eiskalt und unerbittlich düster. Es klingt, als hätte jemand eine Spukerscheinung in einem Fleischkühlraum aufgenommen. Wenn du Musik magst, die dich dazu bringt, in einen grauen Himmel zu starren, während dein Atem in der Luft zu Nebel wird, hat Harms deinen neuen Lieblingssoundtrack abgeliefert.

Henrik Munkeby Nørstebø - Faint Light Blackens

Nørstebø ist ein gefeierter Avantgarde-Posaunist, der dafür bekannt ist, sein Instrument bis an seine absoluten Grenzen zu treiben. Er knüpft an die Tradition der freien Improvisation und der mikrotonalen Musik an und konzentriert sich dabei auf die Texturen von Atem und Luft. Experimental / Avantgarde / Minimalismus. Die Musik klingt oft weniger nach einer Posaune als vielmehr nach einer sterbenden Maschine oder einem fernen Sturm. Das ist Extremsport für die Ohren. Es ist still, intensiv und zutiefst seltsam. Nørstebø nutzt seine Posaune, um die Geister des Klangs zu erforschen - es ist das musikalische Äquivalent eines Schwarz-Weiß-Kunstfilms, in dem 90 Minuten lang jemand eine Wand anstarrt. Es ist anspruchsvoll, meditativ und absolut faszinierend für jeden, der von Standardmelodien gelangweilt ist.

High Fade - Twice As Nice

Ein kraftvolles Trio, das sich durch virale Straßenauftritte und unermüdliche Tourneen eine riesige Fangemeinde aufgebaut hat. Sie sind die Erben des Funk-Throns, den einst die Average White Band innehatte, und zeichnen sich durch eine moderne, rasante Energie aus, die an Vulfpeck erinnert. Funk / Rock / Soul. Bekannt für ihr messerscharfes musikalisches Können, konzentriert sich diese Doppel-A-Seite / EP auf ihre charakteristischen, ineinandergreifenden Rhythmen und blitzschnelle Gitarrenarbeit. Das ist Funk mit Koffeinsucht. Es ist so tight, dass es fast schon illegal ist. High Fade spielen mit einer Präzision, die einen fragen lässt, ob sie eigentlich Roboter sind, aber die Seele, die sie in jede Note legen, ist unbestreitbar menschlich. Es ist unmöglich, das anzuhören, ohne sich zu bewegen - ihr seid gewarnt.

Hillbilly Vegas - A La Mode

Diese Jungs sind alte Hasen auf Tour, angeführt von Steve Harris. Sie schlagen eine Brücke zwischen den stadiontauglichen Hymnen von Aerosmith und der Outlaw-Rauheit von Skynyrd. Nachdem sie sich über ein Jahrzehnt lang eine treue Fangemeinde aufgebaut haben, ist dieses Album ihr bisher ausgereiftestes Werk. Southern Rock / Boogie / Classic Rock. Das ist Musik wie geschaffen für Sonnenschein, Autobahnen und kühle Getränke. Freut euch auf eingängige Hooks, große Refrains und Gitarren, die sich nicht scheuen, genauso viel zu twangen wie zu crunchen. Dieses Album ist pures Rock’n’Roll-Komfortessen. Es ist unprätentiös und macht unglaublich viel Spaß - die Art von Platte, bei der man die Fenster herunterkurbeln und losfahren möchte, bis man eine Spelunke mit Leuchtreklame findet. Es ist süß-salziger Southern Rock in seiner besten Form.

Hocico - Unseen Horror Scenes

Hocico wurde 1993 von den Cousins Erk Aicrag und Racso Agroyam gegründet und ist eine der einflussreichsten Bands der weltweiten Aggrotech-/Dark-Electro-Szene. Aggrotech / Electro-Industrial. Ihre Musik ist eine akustische Brutalität, die sich durch verzerrte Vocals, düstere dystopische Prophezeiungen und gnadenlose, rasante Beats auszeichnet. Das ist ein stroboskopbeleuchteter Horrorfilm für die Ohren. Hocico macht nicht nur Musik; sie produzieren Albträume, zu denen man tanzen kann. Unseen Horror Scenes ist genau das, was der Titel verspricht: ein brutaler, dystopischer Trip, der die Apokalypse wie einen wirklich großartigen Samstagabend in einem Berliner Kellerclub klingen lässt.

Hundreds of AU - Hundreds of Black Kites

Eine Supergroup aus erfahrenen Musikern der Hardcore-/Screamo-Szene der 90er und frühen 2000er Jahre, bestehend aus Mitgliedern, die zuvor bei You and I, Hell Mary, The Assistant, Pellinore und The Banner gespielt haben. Screamo / Post-Hardcore / Punk. Ihr Sound zeichnet sich durch rasante Geschwindigkeit und komplexe Strukturen aus, gemischt mit schwebender, melodischer Schönheit. Ihnen wird oft zugeschrieben, die moderne Ära des Screamo-Revivals ins Rollen gebracht zu haben. Diese EP ist wie ein 15-minütiger Adrenalinstoß, verabreicht durch eine rostige Nadel. Sie ist chaotisch, verzweifelt und wunderschön zugleich - die Art von Musik, die einen dazu bringt, in die Leere schreien zu wollen und gleichzeitig einen Fremden umarmen zu wollen. Es ist Screamo für Menschen, die erwachsen geworden sind, aber nie wirklich zur Ruhe gekommen sind.

Hypostasis - Birth Of A Mask

Sie traten erstmals 2016 mit einer selbstbetitelten EP in Erscheinung, legten dann jedoch eine achtjährige Pause ein, um ihren Sound zu verfeinern und dieses Konzeptalbum fertigzustellen. Im Wesentlichen Progressive Metal mit starken Einflüssen aus dem Melodic Metal und einer cineastischen Atmosphäre. Es erwarten euch fließende Melodien, präzise technische Riffs und eine düstere, introspektive Stimmung. Die Musik betont emotionale Tiefe und wechselt zwischen zerbrechlichem Flüstern und aggressiven Schreien. "Birth of a Mask" ist eine klangliche Reise durch eine tief gezeichnete Seele, die versucht herauszufinden, welches Gesicht das echte ist. Im Grunde handelt es sich um einen philosophischen Thriller, untermalt von schweren Gitarren. In einem Moment schwebt man in einem melodischen, luftigen Refrain, im nächsten wird man von einer aggressiven Strophe getroffen, die sich wie eine Konfrontation in einem dunklen Raum anfühlt. Es ist die Art von Prog, die nicht nur um ihrer selbst willen mit auffälligen Spielereien protzt; sie nutzt jeden wechselnden Takt, um eine Geschichte über Identität und Verwandlung zu erzählen.

HÖWLER - Beyond Mortal Control

Die 2009 gegründete Band ist eine der führenden Kräfte im lateinamerikanischen Metal und stand bereits mit Legenden wie Destruction und Whiplash auf der Bühne. Thrash Metal. Sie bieten eine messerscharfe, präzise Mischung aus Old-School-Aggression und moderner Produktion. Die Texte des Albums thematisieren die 9-to-5-Falle und den Verlust individueller Autonomie zugunsten gesellschaftlicher Kontrolle. Dieses Album ist ein Vollgas-Angriff auf den Unternehmensalltag. Es bietet Riffs, die so schnell sind, dass sie wahrscheinlich sogar eine Deadline hinter sich lassen könnten, und ein Schlagzeug, das wie ein Montagmorgen-Kater zuschlägt. Es ist schnörkelloser Thrash, der klingt, als würde in einer Großraumbürolandschaft ein Aufstand ausbrechen - wütend, laut und unglaublich befriedigend.

Ian Hawgood, David Cordero - Shifting Times

Beide Künstler sind Giganten der modernen Ambient-Szene und dafür bekannt, dass sie mit alten Tonbandgeräten, analogen Synthesizern und Field Recordings verfallende und warme Klanglandschaften erschaffen. Ambient / Tape Loop / Minimalistisch. Der Sound ist stark vom Konzept der unvollkommenen Erinnerung und der physischen Beschaffenheit von Magnetband geprägt. Wenn du schon immer einmal hören wolltest, wie ein Foto aus dem Jahr 1974 klingt, während es langsam in der Sonne verblasst, dann ist dies genau das Richtige. Es ist unglaublich ruhig, warm und beruhigend. Es ist die ultimative Reset-Musik - eine akustische Gewichtsdecke, die dir hilft, für 40 Minuten zu vergessen, dass die Außenwelt existiert. Es ist nicht nur Musik; es ist ein Stimmungsstabilisator.

Idle Threat - You’ll Forget The Sun

Ein fünfköpfiges Quintett, das seit seiner EP "Grown Tired" aus dem Jahr 2016 aktiv ist. Die Band ist dafür bekannt, die Kluft zwischen harter Musik und offenherziger Ehrlichkeit zu überbrücken. Post-Hardcore / Emo / Alt-Metal. Sie verbinden kathartische Energie mit hoffnungsvollen Hooks und werden daher mit den melodischen Schwergewichten der Mitte der 2000er verglichen. Dieses Album ist eine Meisterleistung der Ausgewogenheit. Mit Gastbeiträgen von Garrett Russell (Silent Planet) und Stephen Keech (Haste the Day) verleiht es einem Album, in dem es letztlich darum geht, Licht in dunklen Orten zu finden, eine massive, technische Wucht. Es ist ein Album zum Mitsingen, das einen optimistischer zurücklässt, als man zu Beginn war.

In 2 Again - Coins, Currency, Tokens, and Other Related Objects

Als aufstrebende Größe der Underground-Szene im Nordosten der USA besticht diese Band durch eine rohe, rasende Energie, die ihr schnell einen Platz im modernen Post-Hardcore-Revival gesichert hat. Post-Hardcore / Alt-Metal. Ihr Sound ist stark vom chaotischen, emotionalen Stil von Glassjaw, den frühen Deftones und [Minus] geprägt. Diese Platte ist wie ein elektrisierender Schock für die Wirbelsäule. Mit einem Gastauftritt von Mitgliedern von Vein.fm, die ihren komplexen rhythmischen Strukturen eine zusätzliche Ebene unberechenbarer Intensität verleihen. Es ist Musik für alle, die die Zeit vermissen, als Post-Hardcore noch gefährlich und ein bisschen unberechenbar wirkte.

Incendiary Device - New York City

Eine Art Supergroup mit dem NYHC-Veteranen und Filmemacher Drew Stone (Gesang, ex-Antidote) und Tristan D'Graves (Bass). Die Besetzung wird durch den Gitarristen Shaun Brennan und den Schlagzeuger Mike Flaherty (United Blood NYC/Car Bomb Parade) vervollständigt. Klassischer Hardcore-Punk. Die Band lässt sich stark von der rohen, schnellen Energie der 80er Jahre inspirieren und nennt Minor Threat, Negative Approach und Black Flag als wichtigste Einflüsse. Dies ist ein musikalischer Liebesbrief an die fünf Stadtbezirke. Er ist schnörkellos, knallhart und auf Geschwindigkeit ausgelegt. Er tauscht moderne metallische Überproduktion gegen authentische Rauheit und eingängiges Songwriting, das das Gefühl einer vollgepackten Hardcore-Matinee in einer der besten New Yorker Spelunken einfängt.

Ingested - Denigration

Seit fast zwei Jahrzehnten ist Ingested eine prägende Kraft im Extreme Metal. Dieses achte Album markiert mit dem Einstieg von Josh Davies als neuem Frontmann einen bedeutenden Wendepunkt. Technical Death Metal / Slam / Deathcore. Sie greifen auf alle Elemente zurück, die sie bisher geprägt haben - Groove, Melodie und blackened Dissonance -, um ein definitives Statement der Brutalität zu schaffen. Mit dabei sind Gastbeiträge von Mitgliedern von Dying Fetus, Bodysnatcher und Varials. Das ist der Sound davon, durch den Dreck geschleift zu werden und sich zu weigern, dort zu bleiben. Es ist eine eindrucksvolle Rückkehr zu alter Form, die die jüngsten Experimente hinter sich lässt und stattdessen einen geradlinigen, vernichtenden Angriff liefert. Es ist präzise, unerbittlich aggressiv und beweist, dass die britischen Könige des Slam immer noch die schärfsten Zähne in der Szene haben.

Ivoire - Uragano

Die Band wurde vor über vier Jahren von Gründer Nicolò Lenoci ins Leben gerufen, der persönliche Reflexionen in eine gewaltige Klangwand verwandeln wollte. Post-Black Metal / Sludge / Doom. Die Band wird mit Größen wie Amenra, Cult of Luna und Year Of No Light verglichen und konzentriert sich auf die Grenze zwischen Zerstörung und Katharsis. Dieses Album ist ein ständiger Stimmungswechsel. In einem Moment befindet man sich in einem gespenstischen, trauernden Minimalismus, und im nächsten wird man von einer Nova von blendender Intensität getroffen, die sich wie ein Erdbeben anfühlt. Es ist grandios, monumental und fängt das Gefühl eines Geistes in Bewegung durch einen buchstäblichen Hurrikan (Uragano) aus Klang perfekt ein.

John Palumbo - R U Science?

Als Hauptsongwriter und Frontmann der legendären Progressive-/Art-Rock-Band Crack The Sky verbindet Palumbo seit jeher technisches Können mit messerscharfen gesellschaftlichen Kommentaren und schrägem Humor. Experimental Rock / Electronica / Art-Pop. Dieses Soloalbum setzt stark auf Synthesizer und Found Sounds und spiegelt Palumbos Faszination für Technologie und die Absurdität der modernen menschlichen Existenz wider. "R U Science?" ist ein entzückendes, neonfarbenes Rätsel. Es ist clever, zynisch und überraschend groovig. Palumbo bleibt der verrückte Wissenschaftler des Art-Rock und macht sich mit mitreißenden Hooks und unerwarteten Klangtexturen über unsere digitale Besessenheit lustig. Es ist der Soundtrack zu einer existenziellen Krise, zu der man tatsächlich tanzen kann.

Johnny Bell - Mountain States

Bell ist ein Multi-Instrumentalist und Produzent, der für seine Arbeit in den Indie-Folk- und Psych-Rock-Kreisen des pazifischen Nordwestens bekannt ist. Er nimmt oft in abgeschiedenen Umgebungen auf, um ein bestimmtes Gefühl für den Ort einzufangen. Cinematic Folk / Americana / Ambient. Stark beeinflusst von den weiten Landschaften des amerikanischen Westens, verbindet sein Sound akustisches Fingerpicking mit üppigen Streicharrangements und Field Recordings. Man stelle sich eine Mischung aus Fleet Foxes und den atmosphärischen Soundtracks von Gustavo Santaolalla vor. Diese Platte ist eine hochauflösende Postkarte für die Seele. Sie ist weitläufig, luftig und ein wenig rau - die Art von Musik, die Lust macht, die Koffer zu packen und dem Horizont entgegenzufahren. Es ist Bergmusik, die sich zugleich uralt und vollkommen modern anfühlt.

Jonny Greenwood, Shye Ben Tzur, The Rajasthan Express - Ranjha

Dies ist der lang erwartete Nachfolger ihres Debütalbums "Junun" aus dem Jahr 2015. Während ihr erstes Album in einer alten indischen Festung aufgenommen wurde, entstand "Ranjha" in Greenwoods Studio in Oxford zusammen mit Tom Skinner (The Smile). Indischer Folk / Qawwali / Zeitgenössische Klassik / Funk / Art Rock. Der Sound ist eine interkulturelle Halluzination. Greenwood navigiert durch die komplexen Melodien von Ben Tzurs Songs mit westlichen Texturen und zielt darauf ab, das Ensemble in eine Funk-Gruppe zu verwandeln, ohne dabei seine spirituellen Wurzeln zu verlieren. Diese Platte fühlt sich an wie ein Hochgeschwindigkeits-Basar. Sie ist laut, feierlich und brillant schwindelerregend - die Art von Musik, die einen körperlich bewegt, noch bevor man die Texte überhaupt versteht. Es ist eine rhythmische Meisterklasse, die beweist, dass Weltmusik kein Genre ist, sondern ein Dialog.

Josiah and the Bonnevilles - As Is

Leming ist ein ehemaliger American Idol Kandidat, der sich von den großen Plattenlabels abgewandt hat, um sich eine riesige Indie-Fangemeinde aufzubauen, die er The Bonnevilles nennt. Americana / Alt-Country / Folk-Rock. Während sein vorheriges Werk ("Endurance") stark akustisch geprägt war, erkundet "As Is" elektrischere, weitläufigere Klangwelten, ohne dabei seine poetische Rauheit zu verlieren. Dieses Album ist Front-Porch-Poetry vom Feinsten. Es wirkt auf eine ganz bewusste Art und Weise gelebt und ungeschliffen - wie eine abgetragene Lederjacke. Es ist ein Album, das man entweder liebt oder hasst, das den Moment einfängt und Songs bietet, die das Herz auf der Zunge tragen und vom Überleben der Arbeiterklasse und stillen Herzschmerz handeln.

Julius Black - Oh, Desire

Ein aufstrebender Art-Pop-Produzent und Sänger, der erstmals mit seiner EP "Dopamine" auf sich aufmerksam machte. Er ist bekannt für seinen besitzergreifenden und zutiefst verletzlichen Songwriting-Stil. Experimental Pop / Alt-R&B / Bedroom Pop. Sein Sound ist eine sehnsüchtige Mischung aus sanften Vocals und glitchiger, hochglänzender Produktion, die sich zugleich intim und fremdartig anfühlt. Diese Platte klingt wie ein Geheimnis, das mitten in einem überfüllten Raum geflüstert wird. Es ist Limerence auf Hochtouren - ein obsessives, wunderschönes Eintauchen in die Gefühle, die wir normalerweise zu verbergen versuchen. Es ist elegant, seltsam und fängt selbst in seinen größten Momenten perfekt diese Apartment-Show-Energie von 2026 ein.

JWords - Sound Therapy

Jennifer Hernandez ist Produzentin, Synthesizer-Konstrukteurin und Pädagogin, bekannt für ihre Arbeit im Duo H31R. Dieses Album spiegelt ihren Übergang in eine Ära des Friedens nach einem turbulenten Jahrzehnt wider. Experimentelle Elektronik / Dance-Rap / IDM. Zum ersten Mal rappt und singt Hernandez zu ihren eigenen zerbrochenen Beats und einem warmen Synth-Nebel. Dies ist nicht nur ein Album; es ist ein selbstbewusster Zen-Reset-Knopf. Es verwandelt Hightech-Equipment in reine menschliche Gefühle, überwindet Traumata und findet einen beständigen, hypnotischen Groove. Es ist der Sound einer Meisterproduzentin, die endlich ins Licht tritt, um ihre eigene Geschichte zu erzählen.

Karcius - Black Soul Sickness

Ein kraftvolles Quartett, bestehend aus Sylvain Auclair, Sébastien Cloutier, Thomas Brodeur und Simon L'Espérance. Sie sind bekannt für ihre einzigartige, experimentierfreudige Vision, die Rock, Jazz-Fusion und klassische Elemente miteinander verbindet. Progressive Rock / Jazz-Fusion / Progressive Metal. Diese Platte zeichnet sich durch ihre filmische Weite und technische Virtuosität aus, die Emotion und Präzision miteinander verschmelzen lässt. Dieses Album ist ein intensiver psychologischer Tauchgang. Es konfrontiert Dunkelheit und Verlust mit einer rohen Intensität, die schließlich ihren Weg hin zu Wiedergeburt und strahlender Schönheit findet. Es ist anspruchsvoller Brain-Rock, dem es gelingt, während seiner gesamten Laufzeit von 46 Minuten einen kraftvollen, emotionalen Puls aufrechtzuerhalten.

Karmanjakah - Diamond Morning

Ein vierköpfiges Progressive-Kollektiv, das sich von einem rauen Djent-Sound zu etwas weitaus Melodischerem und Atmosphärischerem entwickelt hat. Sie verweisen auf einen disruptiven Ansatz im Metal, bei dem Helligkeit, Verträumtheit und Hoffnung Vorrang vor traditionellen bösen Metal-Klischees haben. Atmosphärischer Djent / Progressive Metal / Alt-Pop. Das Album zeichnet sich durch seine helle Atmosphäre aus, in der sich komplexe, groovige Riffs mit klarem, makellosem Gesang und sogar gelegentlicher Spoken-Word-Poesie vermischen. Diese Platte ist wie ein Hightech-Sonnenaufgang. Sie ist technisch komplex, fühlt sich aber irgendwie so leicht und flüchtig an wie ein Sommermorgen in Stockholm. Es ist eine in Musik eingefangene kathartische Erinnerung - die die Kluft zwischen Headbangen und einem tief empfundenen Seufzer überbrückt.

Khôra, Mas Aya - Primordial Mind

Eine Zusammenarbeit zwischen dem Mystiker aus Toronto Khôra (Matthew Ramolo) und dem nicaraguanisch-kanadischen Komponisten Mas Aya (Brandon Miguel Valdivia), die seit 15 Jahren gemeinsam Musik machen. Avantgarde / Free Jazz / Dub / Ambient / Ritualmusik. Das Projekt ist stark von den Fourth-World-Klängen von Don Cherry und Jon Hassell sowie von buddhistischen, taoistischen und hinduistischen spirituellen Praktiken beeinflusst. Dies ist esoterische Musik für innere Odysseen. Es ist ein leuchtendes Gewebe aus organischen Impulsen und psychoaktiven, zeremoniellen Melodien, das sich weniger wie eine Platte anfühlt, sondern eher wie ein Motor für klare Handlungen. Es ist wunderschön, tiefgründig und perfekt, wenn man eine synkretistische Reise durch die Zeitzonen bequem über die eigenen Kopfhörer unternehmen möchte.

Kiesza - Dancing and Crying: Volume 3

Der letzte Teil einer konzeptionellen Tanz-Trilogie der gefeierten Electro-Pop-Sängerin, nach Vol. 1 (2024) und Vol. 2 (2025). Electro-Pop / Dance-Pop / House. Kiesza verbindet ihre Folk-Wurzeln mit House-Beats und Basslines und schafft so einen Sound, der von Bewegung, emotionaler Befreiung und trotziger Selbstfindung geprägt ist. "Volume 3" ist eine stroboskopbeleuchtete Reise, auf der sich der Druck der Tanzfläche in pure Freude verwandelt. Es ist euphorisch, eingängig und zutiefst persönlich - die Art von Musik, die Lust macht, bis zum Sonnenaufgang zu tanzen und gleichzeitig einen tiefgreifenden inneren Durchbruch zu erleben.

Koyo - Barely Here

Die Band wurde 2020 als Supergroup aus Mitgliedern der Hardcore-Szene von Long Island (Typecaste, SeeYouSpaceCowboy) gegründet und entwickelte sich schnell zu einer der wichtigsten Stimmen des modernen Punk. Melodic Hardcore / Emo / Pop-Punk. Das Album, das sich an regionalen Legenden wie The Movielife und Taking Back Sunday orientiert, enthält Gastauftritte von Mitgliedern der Bands Drain und Fleshwater. Koyo vermittelt ihre Wurzeln auf Long Island mit einer bewundernswerten Offenheit. "Barely Here" versucht nicht, etwas zu reparieren, das nicht kaputt ist; stattdessen verfeinert es ihre Stärken zu zehn hymnischen, schnörkellosen Tracks, die das Chaos des Tourlebens einfangen. Es ist ein sofortiger Klassiker für alle, die die goldene Ära des Melodic Hardcore vermissen, sich aber eine moderne, fetter Produktion wünschen.

Kreng, Pepijn Caudron - Wormhole

Kreng ist das Avantgarde-Projekt von Pepijn Caudron, einem erfahrenen Orchestrator, der seit einem Jahrzehnt Musik für Theater- und Filmprojekte wie "Cooties" und "Camino" komponiert. Gothic Horror / Dark Ambient / Moderne Klassik. Stark beeinflusst von der Spannung bei Angelo Badalamenti und der filmischen Beklemmung bei Toru Takemitsu. Dies ist eine Reise in eine andere Welt, die unweigerlich aus den Fugen gerät. Es beginnt mit einem Vakuum aus weitläufigem Minimalismus und zieht dich in eine höllische, an Hieronymus Bosch erinnernde Klanglandschaft. Es ist beunruhigend, nachdenklich und wunderschön - das perfekte klangliche Äquivalent zu einem kosmischen Horror-Mysterium à la Lovecraft, bei dem du vor Angst nicht aufhören kannst zuzuhören.

Kultur Shock - House of Kultur

Unter der Leitung des charismatischen Frontmanns Gino Yevdjevich (der vor dem Krieg in Bosnien floh) wurde die Band 1996 gegründet und hat sich seitdem zu einem globalen Kollektiv mit Mitgliedern aus Bosnien, Bulgarien, Indonesien und den USA entwickelt. Balkan-Punk / Gypsy-Metal / Sevdah. Sie sind bekannt dafür, balkanische Volksmelodien mit der Wut des Metal und der politischen Schärfe des Punkrocks zu verschmelzen. Dieses Album ist die erste Hälfte einer Doppelveröffentlichung zum 30-jährigen Jubiläum, gepaart mit "House of Shock". Das ist triumphaler Kosmopolitismus in seiner lautesten Form. Es ist eine freudig kämpferische Energie, die sich wie eine Mischung aus The Pogues und System of a Down anfühlt. Es ist Musik, die Grenzen ignoriert und einen dazu bringt, zu einem Violinsolo zu moshen, während man über die Komplexität der Weltpolitik nachdenkt.

Kurt Deimer - A Grog Is Born

Deimer ist eine faszinierende Persönlichkeit - ein erfolgreicher Unternehmer, der sich erst spät im Leben entschlossen hat, eine Karriere als Rockstar zu verfolgen. Sein Mentor ist der legendäre Gitarrist Phil X (Bon Jovi), der auch auf dem Album zu hören ist. Hard Rock / Alternative Metal. Man stelle sich die Rauheit von Alice in Chains vor, gemischt mit der Arbeiterrock-Sensibilität von John Mellencamp und der Theatralik von Alice Cooper. Dieses Album ist purer "American Muscle". Es ist ehrlich, laut und voller fetter, wuchtiger Riffs. Deimers Gesangsstil ist eher ein rhythmisches Sprechgesang, das den Songs eine einzigartige, gesprächige Rauheit verleiht. Es ist die Art von Musik, die dafür gemacht ist, in einer Garage oder einer Spelunke gespielt zu werden - unprätentiös, heavy und überraschend gefühlvoll.

laCasta - Olibanvm

Die 2015 gegründete Band hat sich über Jahre hinweg einen Namen in der italienischen Underground-Szene gemacht. Ihr Name laCasta (Die Kaste) deutet auf ihr Interesse an den dunkleren, strengeren Strukturen von Gesellschaft und Geschichte hin. Eine gnadenlose Mischung aus Blackened Hardcore, Sludge und Crust Punk. Es ist eine akustische Klangwand, die sich durch erstickende Atmosphären, rasende D-Beats und rohen, viszeralen Gesang auszeichnet. "Olibanvm" (das lateinische Wort für Weihrauch) erinnert weniger an einen Sonntagsgottesdienst als vielmehr an eine brennende Kathedrale. Es ist ein erstickend schweres Erlebnis, das es schafft, zugleich spirituell und gewalttätig zu sein. Das Album fühlt sich wie eine rituelle Reinigung an, bei der der Rauch des Weihrauchs aus dem Titel nicht dazu dient, dich zu beruhigen - er soll die Luft aus dem Raum pressen. Es ist düstere, geschwärzte Musik für Menschen, die Trost in einem schweren Groove und einem Sänger finden, der klingt, als würde er aus der Tiefe eines Brunnens schreien. Wenn du deinen Hardcore mit einer Prise existenzieller Angst und einer kräftigen Prise Ruß magst, ist dies dein neuer Soundtrack für die Apokalypse.

Lago - Vigil

Als einer der Eckpfeiler der Desert-Metal-Szene haben Lago jahrelang daran gearbeitet, einen Sound zu verfeinern, der so karg und unerbittlich ist wie ihr Heimatstaat. Dies ist ihr lang erwartetes drittes Album in voller Länge. Death Metal. Sie sind stark von den höhlenartigen und dissonanten Stilen von Bands wie Immolation und Dead Congregation beeinflusst, behalten dabei aber ihre charakteristische technische Präzision bei. Diese Platte ist ein Riff-Sandsturm. Sie ist dicht, düster und fühlt sich im psychologischen Sinne unglaublich schwer an. Sie spielt nicht einfach nur; sie lastet auf dir. Sie ist der perfekte Soundtrack, um in einen Wüstencanyon zu wandern und zu erkennen, dass du nicht allein bist.

Lambert - I Am Not Lambert

Seit einem Jahrzehnt als der maskierte Pianist bekannt, hat Lamberts Musik stets eine Balance zwischen Verspieltheit und melancholischer Schönheit gefunden. Dieses Album enthält seine ersten bedeutenden Gesangsdarbietungen sowie Kollaborationen mit Künstlern wie Kat Frankie und Dekker. Klaviergetragener Pop, moderne Klassik und sanfte Electronica. Dieses Album markiert einen bedeutenden Wandel von Instrumentalmusik hin zu songorientiertem Pop. Es ist eine Coming-out-Party, bei der sich der Gastgeber immer noch in der Küche verstecken möchte. Die Musik ist intim und verletzlich und verbindet eingängige Melodien mit einem Gefühl von ehrlicher Täuschung. Es ist im Grunde der Soundtrack für alle, die das Gefühl haben, eine Maske zu tragen, auch wenn sie es gar nicht tun.

Lauren Lakis - Deadlights

Eine Multi-Instrumentalistin, die von der DIY-Szene in LA in die gitarrenlastige Musikszene von Austin wechselte. Bekannt für ihren eindringlichen Gesang, hat sie sich mit ihren wilden Live-Auftritten eine treue Fangemeinde aufgebaut. Shoegaze / Dream Pop / 90er-Jahre-Alternative-Rock. Inspiriert von der Wall-of-Sound-Produktion von My Bloody Valentine und den ätherischen Klangtexturen der Cocteau Twins zeichnet sich ihre Musik durch kräftige Bässe und gespenstische Vocals aus. "Deadlights" ist eine Welt, die sich zugleich jenseitig und unbehaglich vertraut anfühlt. Es ist ein 10-Track-Tauchgang in eine sich wandelnde Realität, in der Verzerrung auf Klarheit trifft. Es ist Musik, die von Dunkelheit durchdrungen ist, und doch gibt es ein anhaltendes Gefühl der Hoffnung - wie ein Geist, der versucht, sich allein durch die Kraft der Melodie den Weg aus einem Keller zu bahnen.

Legacy Pilots - Camera Obscura Vol. I

Es ist das geistige Kind von Frank Pilsl, einem erfahrenen Musiker und Produzenten, der Gitarre, Keyboard und Gesang übernimmt. Er ist dafür bekannt, hochkarätige virtuelle Bands zusammenzustellen, indem er mit erstklassigen Studiomusikern zusammenarbeitet. Ganz im Sinne der Tradition von Legacy Pilots wartet diese Veröffentlichung mit einer Reihe hochkarätiger Gäste auf, darunter der legendäre Bassist Leland Sklar und Schlagzeuger wie Simon Phillips und Marco Minnemann. Eine raffinierte Mischung aus Progressive Rock, Art Rock und Jazz Fusion. "Camera Obscura Volume 1" ist wie ein First-Class-Flug durch eine Prog-Rock-Traumlandschaft. Es ist unglaublich höfliche Musik, die dennoch weiß, wie man ihre Muskeln spielen lässt. Während viele Prog-Bands versuchen, einem mit Komplexität den Kopf zu verdrehen, nehmen Frank Pilsl und sein All-Star-Cockpit aus Musikern einen lieber mit auf eine malerische Reise. Das Thema wirkt wie eine musikalische Fotografie - Momente der Klarheit, eingefangen durch eine Vintage-Linse. Es ist intellektueller Comfort Food für alle, die ein perfekt platziertes Synth-Solo oder eine Basslinie lieben, die sich wie ein Samtteppich anfühlt. Wenn du dich wie ein anspruchsvoller 70er-Jahre-Rock-Kenner fühlen möchtest, ohne dein Wohnzimmer zu verlassen, ist dies genau das Richtige für dich.

Legacy Pilots - Camera Obscura Vol. II

Das Projekt ist nach wie vor das kreative Vehikel für Frank Pilsl, einen Produzenten und Komponisten, der als Steuermann einer internationalen Crew legendärer Session-Musiker fungiert. Ganz im Sinne des Trends der virtuellen Supergroup sind auf Volume 2 Beiträge von Ikonen wie Simon Phillips (Toto, The Who), Leland Sklar (Phil Collins, James Taylor) und Marco Minnemann (The Aristocrats) zu hören. Symphonischer Progressive Rock, Jazz-Fusion und Pop-Rock. War Volume 1 die Postkarte, so ist Camera Obscura Volume 2 die Dokumentation hinter den Kulissen. Es ist etwas abenteuerlicher und wohl auch progiger. Das musikalische Zusammenspiel ist so präzise, dass es fast schon kriminell ist - Simon Phillips’ Schlagzeug klingt, als wäre es in einer Kathedrale aus Gold aufgenommen worden. Das Thema spielt weiterhin mit der Idee von Wahrnehmung und Fokus, aber die Musik fühlt sich eher wie ein großes Finale an als wie eine einfache B-Seite. Es ist ein Album für Menschen, die ein musikalisches Rätsel genießen, das tatsächlich wie ein Song klingt. Stellen Sie es sich als eine High-Definition-Reise vor, bei der jede instrumentale Verzierung ein verstecktes Juwel ist, das darauf wartet, entdeckt zu werden.

Linda Perry - Let It Die Here

Perry, die ursprünglich Frontfrau der Band 4 Non Blondes war, hat jahrzehntelang als erfolgreiche Songwriterin für Stars wie Pink, Christina Aguilera und Gwen Stefani gearbeitet. Dies ist ihr erstes Solo-Studioalbum seit 27 Jahren. Dark Folk-Rock / AOR. Das Album dient als Begleitwerk zu einer gleichnamigen Dokumentation und ist stark geprägt von der rauen, ungeschliffenen Energie des Grunge der 90er Jahre sowie von der emotionalen Last, die der Tod ihrer Mutter hinterlassen hat. Diese Platte ist eine polierte Blues-Reise durch Trauer und Selbstfindung. Es ist kein glattes Pop-Album; es ist ein viszeraler, 17 Titel umfassender Marsch durch Dämonen und Erinnerungen, der so verletzlich klingt wie ein blanker Nerv. Es ist der Klang einer Frau, die 30 Jahre lang anderen half, ihre Stimme zu finden, und nun endlich ihre eigene wiederentdeckt.

Little Simz - Sugar Girl

Als Gewinnerin des Mercury Prize und des BRIT Award ist Little Simz für ihre cineastische, nachdenkliche Lyrik bekannt. Nach ihrem 2025 erschienenen Album "Lotus" setzt sie ihren Trend fort, experimentelle Drop-EPs zu veröffentlichen, um neue Klänge zu erkunden. Diese 4-Track-EP orientiert sich stark an cluborientiertem Hip-Hop und experimentellen elektronischen Texturen. Produziert von Jakwob, sind darauf Gastbeiträge von JT, Deela und 070 Shake zu hören. Hier lässt Simz die Haare fliegen. Während ihre Alben oft groß angelegte, orchestrale Angelegenheiten sind, ist Sugar Girl für die Stroboskoplichter gemacht. Es fängt eine nächtliche, hochoktanige Energie ein - halb Bekenntnis, halb Club-Kracher - und beweist, dass sie sich im Moshpit genauso wohlfühlt wie im Konzertsaal.

Living With Tollways - Eponymously Titled

Ein Trio bestehend aus Randy Trubitt (Tenorsaxophon, Bassklarinette), Matt Riggen (Kontrabass) und Kevin Almazan (Schlagzeug). Sie nahmen das Projekt im Experimental Sound Studio in Chicago auf. Experimenteller Jazz / Improvisation. Der Klang basiert auf dem Zusammenspiel von Holzblasinstrumenten und Kontrabass und bewegt sich durch komplexe rhythmische Strukturen und avantgardistische Jazz-Texturen. Diese Platte ist ein raffiniertes Rätsel für die Ohren. Sie ist intim und unverfälscht - in einer einzigen Session aufgenommen - und bietet einen Blick aus der Vogelperspektive auf drei Meistermusiker, die ein zutiefst komplexes musikalisches Gespräch führen. Sie ist intellektuell, sinnlich und fängt die Rauheit der Chicagoer Jazz-Underground-Szene perfekt ein.

Loraine James - Detached From The Rest Of You

Als herausragender Star des Hyperdub-Labels ist James dafür bekannt, kaltes IDM mit tiefer, persönlicher Emotionalität und einer unverwechselbaren Londoner Queer-Perspektive zu verbinden. IDM / Glitch / Ambient / Drill. Ausgehend von den komplexen rhythmischen Strukturen von Autechre und der Verletzlichkeit von Björk beschäftigt sich dieses Album mit Themen wie Neurodiversität und dem Gefühl, mit der Gesellschaft nicht im Einklang zu sein. Diese Platte klingt wie ein Computer, der versucht, dir seine Gefühle zu erklären. Sie ist nervös und fragmentiert, doch hinter den Glitches verbirgt sich ein riesiges, warmes Herz. Sie fängt dieses moderne Gefühl ein, über einen Bildschirm mit allen verbunden zu sein, sich aber in einem Raum völlig allein zu fühlen. Sie ist wunderschön, anspruchsvoll und unglaublich bereichernd.

Luca Cimarusti - Repetition, Resonance

Cimarusti ist ein Urgestein der DIY- und Punk-Szene Chicagos (Annabel, Flesh Panthers) und ein renommierter Musikjournalist. Bei diesem Projekt setzt er sich hinter ein riesiges, maßgeschneidertes Schlagzeug. Industrial Percussion / Minimalist Noise. Stark beeinflusst von den motorischen Beats von Neu! und dem industriellen Getöse von Einstürzende Neubauten konzentriert sich das Album auf die hypnotische Kraft langgezogener, mechanischer Drumbeats. Diese Platte ist ein rhythmischer Trance, der klingt, als hätte eine Fabrik beschlossen, eine Band zu gründen. Sie ist laut, körperlich und unglaublich ursprünglich. Wenn du jemals den Klang einer Waschmaschine im Schleudergang seltsam mitreißend fandest, ist dies die hochkünstlerische Version dieses Gefühls. Es ist eine hirnreinigende Erfahrung durch reine Vibration.

Lykke Li - The Afterparty

Eine der markantesten Stimmen des modernen Indie-Pop. Bekannt für ihre Sad-Girl-Hymnen, greift sie weiterhin auf den melancholischen Girl-Group-Sound der 60er Jahre zurück, gemischt mit modernen, von Trap beeinflussten Nacht-Produktionen. Alt-Pop / Dream Pop / R&B. Dieses Album ist als konzeptionelle Fortsetzung ihres bisherigen Schaffens zu verstehen und konzentriert sich auf die Trümmer einer Beziehung nach dem ersten Zusammenprall. Dies ist die ultimative Platte für die "Uber-Fahrt nach Hause um 4 Uhr morgens". Sie ist sparsam instrumentiert, basslastig und getränkt in einem Hall, der sich wie eine schwüle schwedische Sommernacht anfühlt. Lykke Li beherrscht die Kunst, Herzschmerz unglaublich cool und ein wenig gefährlich klingen zu lassen. Es ist ein intimes, stroboskopbeleuchtetes Geständnis.

Lyrre - Nothing Is Promised

Ein neues Projekt unter der Leitung von Michalina Malisz (ehemals bei den Schweizer Folk-Metal-Giganten Eluveitie). Sie ist eine weltbekannte Drehleier-Spielerin. Die Band verbindet den uralten Klang ihres Instruments mit moderner, kraftvoller Produktion und nennt Evanescence und Wardruna als Einflüsse. Symphonic Folk Metal / Alternative Rock. Es zeichnet sich durch filmische Arrangements mit einer dunklen, mythischen Atmosphäre aus. Dies ist der Soundtrack zu einer mittelalterlichen Rebellion, die in einer Science-Fiction-Zukunft spielt. Die Drehleier verleiht dem Ganzen eine gespenstische, organische Textur, die man im Standard-Rock einfach nicht hört. Es ist episch, dramatisch und dient als eindrucksvolles Beispiel für Malisz’ Wandel von einer Folk-Metal-Begleitmusikerin zu einer Powerfrau im Rampenlicht.

Midge Ure - A Man Of Two World

Midge Ure ist die legendäre Stimme von Ultravox, Mitbegründer von Visage und Mitautor von "Do They Know It’s Christmas?". Dieses Projekt bietet einen Überblick über sein gesamtes Schaffen und verdeutlicht seine einzigartige Fähigkeit, die Kluft zwischen Synth-Pop und Rockgitarre zu überbrücken. Synth-Pop / New Wave / Post-Punk. Dies ist die ultimative Schatzkiste für Liebhaber der 80er Jahre. Sie präsentiert die zwei Welten von Ure: die kalte, mechanische Präzision des Synthesizers und die warme, emotionale Kraft seiner Stimme und Gitarre. Es ist eine nostalgische Reise, die beweist, dass Midge seiner Zeit immer ein paar Schritte voraus war und die Zukunft unglaublich gefühlvoll klingen ließ.

Momen - Sympathetic Resonance

Momen ist ein zeitgenössisches Ensemble unter der Leitung des Bassisten und Komponisten Julian Momen. Die Gruppe hat ihre Wurzeln in der hohen technischen Meisterschaft der New Yorker Jazzszene und ist geprägt von den Fusion-Experimenten von Chick Corea sowie der rhythmischen Komplexität moderner Gruppen wie Snarky Puppy. Modern Jazz Fusion / Progressive Jazz. Das Album konzentriert sich auf das Konzept der Resonanz - wie verschiedene Instrumente und Musiker miteinander schwingen, um einen einheitlichen Klang zu erzeugen. Diese Platte ist wie eine Meisterklasse im Dialog. Jedes Instrument scheint mit den anderen zu sprechen, manchmal streitet es, manchmal lacht es, aber immer im Einklang. Es ist intelligente Musik, die sich nie kalt anfühlt; sie ist warm, lebendig und voller dieser - Wie haben sie das gespielt? - Momente, die einen dazu bringen, sie sich immer wieder anzuhören.

Motus Tenebrae - In Sorrow's Requiem

Motus Tenebrae sind seit über zwei Jahrzehnten aktiv und gelten als einer der Eckpfeiler der italienischen Gothic-Szene. Sie lassen sich stark von den Peaceville Three (den frühen Paradise Lost, My Dying Bride und Anathema) sowie von der Dark-Rock-Ästhetik von The 69 Eyes inspirieren. Gothic Metal / Doom Rock. Erwarte tief gestimmte, melancholische Gitarrenmelodien, tiefe Baritonstimmen und eine allgegenwärtige Regennacht-Atmosphäre. Wenn du Musik suchst, die perfekt zu einem langen schwarzen Mantel und dem Gefühl eines bevorstehenden Herzschmerzes passt, bist du hier genau richtig. Es ist dramatisch und heavy, aber mit einer melodischen Eingängigkeit, die die Trauer seltsam tröstlich wirken lässt. Es ist Doom and Gloom, zu dem man tatsächlich mitsummen kann, während man sehnsüchtig aus dem Fenster starrt.

Muna - Dancing on the Wall

Ein gefeiertes queeres Indie-Pop-Trio (Katie Gavin, Josette Maskin und Naomi McPherson), das sich seit seinem Debüt im Jahr 2017 zu queeren Legenden entwickelt hat. Synth-Pop / Dance-Pop / Synth Wave. Produziert von der Bandmitglied Naomi McPherson, fängt das Album die euphorische, aber emotionale Energie der 80er Jahre ein und bleibt dabei im modernen Alternative-Pop verwurzelt. Dies ist das ultimative Album zum Weinen auf der Tanzfläche. Es ist eine stroboskopbeleuchtete Erkundung von Begierde und emotionalem Risiko, die es schafft, sowohl kraftvoll als auch verletzlich zu sein. Es fühlt sich an wie der Moment, in dem die Party endet und die Fantasie verblasst, aber man tanzt weiter, weil der Beat einfach zu gut ist, um aufzuhören.

Möhrkvlth - Gwenojennoù An Ankounac’h

Das seit 2014 aktive fünfköpfige Kollektiv hat acht Jahre lang an diesem Nachfolger gearbeitet. Sie nutzen die bretonische Sprache, um ihre kulturellen Wurzeln lebendig zu halten. Bretonischer Black Metal / Atmosphärischer Black Metal. Sie lassen sich von den rauen Klängen Skandinaviens und Quebecs inspirieren und vermischen diese mit keltischen Legenden, Heidentum und bretonischer Geschichte. Diese Platte ist eine gespenstische Wanderung durch eine alte keltische Begräbnisstätte. Sie ist düster, episch und voller Schreie der Verzweiflung, die durch traditionelle Volksmelodien ausgeglichen werden. Seid gewarnt: Das Schlagzeug ist bewusst dominant und unerbittlich - es ist der Klang uralter Vorfahren, die auf euren Schädel hämmern, um sicherzustellen, dass ihr aufmerksam zuhört.

Mörkekraft - Fragments

Sie sind ein neuer Name in der norwegischen Szene und geben mit diesem Album ihr Debütalbum heraus. Heavy Rock / Stoner / Psychedelia. Während ihr Label sie einst frech als deprimierte Thin Lizzy bezeichnete, stellen Kritiker fest, dass sie sich viel stärker auf stimmungsvolle, von Stoner-Rock geprägte psychedelische Klangwelten konzentrieren als auf klassischen irischen Rock. Wenn du schon immer einmal hören wolltest, wie ein regnerischer Nachmittag in einem norwegischen Wald klingt, wenn er durch eine Wand aus verzerrten Verstärkern gespielt wird, dann ist dies genau das Richtige. Es ist heavy, introspektiv und herrlich staubig. Es klingt zwar nicht wirklich nach Thin Lizzy, aber es klingt wie der perfekte Soundtrack, um eine Lavalampe anzustarren, während man über das Universum nachdenkt.

MUNA - Dancing on the Wall

MUNA, bestehend aus Katie Gavin, Naomi McPherson und Josette Maskin, hat sich von einem Kritikerliebling zu einer globalen Größe entwickelt. Bekannt für ihre Tourneen an der Seite von Taylor Swift und Phoebe Bridgers, werden sie für ihren komplexen, eigenständigen Produktionsstil hoch geschätzt. Indie-Pop, Electro-Pop und Synth-Pop. Beeinflusst von New-Wave-Rhythmen der 1980er Jahre, clubtauglichen elektronischen Basslines und zeitgenössischen Pop-Hymnen. Wenn sich dein Leben chaotisch anfühlt, möchte MUNA, dass du dich durch das Chaos hindurch tanzt. "Dancing on the Wall" ist ein absolutes Kraftpaket von einem Album, das funkelnde, von Hitze durchtränkte Sommer-Elektronik mit zutiefst verletzlichem Songwriting verbindet. Tracks wie "It Gets So Hot" stecken voller eleganter, pulsierender Electro-Pop-Energie, die dein Wohnzimmer in eine überfüllte Mitternachts-Festivalbühne verwandelt. Es ist brillant, unverhohlen hooklastig und ganz und gar darauf ausgelegt, die Welt zu erobern.

Namasenda - Limbo

Als ehemaliges Mitglied des wegweisenden Londoner Labels PC Music erlangte Namasenda in der Hyperpop-Szene der frühen 2020er Jahre Bekanntheit, bevor sie zum schwedischen Label YEAR0001 wechselte. Hyperpop / Alt-Pop / Eurotrance. Das Album, das als ihr persönlichstes Werk beschrieben wird, trifft genau den perfekten Mittelweg zwischen Club-Euphorie und unverfälschtem Bekenntnis. Es wurde von einem All-Star-Team produziert, darunter Noonie Bao und Oscar Scheller. "Limbo" ist ein stroboskopbeleuchtetes Tagebuch. Es ist das, was passiert, wenn die Party zu Ende ist und man immer noch Glitzer trägt, während man eine existenzielle Krise durchlebt. Mit Tracks wie dem Eurotrance-lastigen "Miami Crest" ist es energiegeladen genug, um als Soundtrack für eine Rave-Party zu dienen, aber ehrlich genug, um jeden Aspekt ihres Kontrollverlusts spürbar zu machen.

Nautilus - Sunken Scores

Unter der Leitung des Schlagzeugers Toshiyuki Sasaki hat sich Nautilus zu einer festen Größe der modernen japanischen Jazzszene entwickelt und ist bekannt für seine Heavy-Soul-Interpretationen klassischer Stücke und eigenständiger, filmischer Kompositionen. Cinematic Soul, Jazz-Funk und Rare Groove. Diese Veröffentlichung ist stark von der Library-Musik der 1970er Jahre und von Soundtrack-Komponisten wie Lalo Schifrin und Ennio Morricone beeinflusst. "Sunken Scores" fühlt sich an, als hätte man eine verlorene 16-mm-Filmrolle auf dem Meeresgrund gefunden. Es ist geheimnisvoll, groovig und sehr, sehr cool. Die Basslinien sind tief genug, um Sonarstörungen zu verursachen, und die Bläsersätze schlagen ein wie ein U-Boot, das mitten in einem Funk-Club auftaucht. Es ist der perfekte Soundtrack für einen Raubüberfall, den du gerade in deinem Kopf planst.

Navah Sea, Braxton Cook, Saxton Chef - What Do I Know Now?

Navah Sea bewegt sich häufig im Bereich des Ambient House und des experimentellen Pop, während Braxton Cook ein am Konservatorium ausgebildeter Saxophonist und Sänger ist, der eine Brücke zwischen Jazz und R&B schlägt. Experimenteller Ambient-Jazz / Alternativer R&B. Das Projekt verbindet Cooks gefühlvolles Saxophon und seinen Gesang mit Seas atmosphärischer, ausgefallener Produktion. Die Single "Barcelona" gibt einen Vorgeschmack auf diesen genreübergreifenden Surrealismus. Diese Platte klingt wie ein Jazzclub in einer Wolke. Es ist Musik für späte Nachtfahrten für Menschen, denen normales Radio zu laut ist. Zwischen Cooks sanften Bläsersätzen und Seas glitchigen, verträumten Klanglandschaften entsteht ein wunderschönes, raffiniertes Durcheinander, das das Nichtstun wie hohe Kunst erscheinen lässt.

Noah Meites - COUNTING

Meites ist ein Komponist und Multiinstrumentalist, der fest in der zeitgenössischen klassischen und experimentellen Szene von Los Angeles verwurzelt ist. Sein Werk ist geprägt vom amerikanischen Minimalismus (man denke an Steve Reich oder Philip Glass) und der strukturellen Strenge math-y Sequenzen. Avantgarde / Minimalismus / Experimentelle Klassik. Das Album ist eine konsequente Auseinandersetzung mit Rhythmus und Wiederholung, wobei häufig unkonventionelle Perkussions- und Blasinstrumente eingesetzt werden, um hypnotische, sich entwickelnde Muster zu schaffen. Wenn Sie schon immer einmal hören wollten, wie ein Supercomputer klingt, wenn er versucht, ein Wiegenlied zu schreiben, dann ist dies genau das Richtige. Es ist präzise, etwas kühl, aber seltsam süchtig machend. Es ist Gehirnmusik, die einen zwingt, sich auf ihre innere Logik einzulassen - perfekt für tiefe Konzentration oder um intensiv auf eine Tabellenkalkulation zu starren, bis sich die Zahlen zu bewegen beginnen.

Nocturnal Departure - Spiritual Cessation

Als Kultfavorit in der internationalen Black-Metal-Underground-Szene hat sich dieses Quartett seit seinem Durchbruchalbum "Clandestine Theurgy" aus dem Jahr 2022 zu einer aufstrebenden Kraft entwickelt. Dieses Album markiert das Debüt der neuen Mitglieder Folterer (Gitarre) und Hexzul (Schlagzeug). Raw Black Metal, verwurzelt in der Second Wave der 90er Jahre. Stellt euch rasante Blastbeats, schrille, bissige Schreie und düstere Melodien vor, inspiriert von den grundlegenden Klängen des norwegischen und nordamerikanischen Black Metal. Das ist der Sound einer widerwärtigen Weite. Es ist ihr bisher dynamischster und professionellster Abstieg in die Leere. Es ist aggressiv, schnell und unangenehm kalt - perfekt, wenn man das Gefühl haben will, von etwas Uraltem und Hungrigem durch einen kanadischen Schneesturm gejagt zu werden.

Old Moon - Home To Nowhere

Das Projekt wurde vom Multi-Instrumentalisten Michael Priest (ehemals Idolatrous) ins Leben gerufen und begann 2024 als Solo-Studio-Projekt, bevor es sich zu einer vollwertigen Live-Band entwickelte. Post-Black Metal / Melodic Death Metal. Musikalisch haben sie mehr Gemeinsamkeiten mit europäischen Atmosphärik-Bands wie Ellende und Harakiri for the Sky als mit ihren amerikanischen Kollegen und legen den Schwerpunkt auf traumhafte Gitarrenmelodien. Dieses Album ist eine klangliche Erkundung des Gefühls der Sehnsucht nach etwas, das nicht mehr existiert. Es ist zutiefst emotional und trägt einen ironischen Titel, der persönlichen Verletzungen und Bedauern einen Raum gibt. Es trifft genau den Sweet Spot, an dem aggressiver Metal auf filmische Schönheit trifft - wie ein langer, kalter Spaziergang durch einen Wald, den man seit seiner Kindheit nicht mehr besucht hat.

Olof Dreijer - Loud Bloom

Dreijer ist als eine Hälfte des Elektronik-Duos The Knife und als Produzent hinter einem Großteil der gefeierten Werke von Fever Ray legendär. Er veröffentlichte jahrelang Underground-Techno unter dem Namen Oni Ayhun, bevor er mit diesem Solo-Debüt ins Rampenlicht trat. Experimental Dance / Global Club / House. Das Album ist stark von den Werken der nigerianischen Autorin Akwaeke Emezi beeinflusst und versucht, die westliche Hegemonie durch die Zusammenarbeit mit internationalen Künstlern wie der sudanesischen Sängerin MaMan und der südafrikanischen MC Toya Delazy in Frage zu stellen. Stell dir vor, ein Garten würde in einem Synthesizer wachsen. "Loud Bloom" ist Freude als Form des Protests - es ist farbenfroh, beschwingt und voller verspielter Melodien, die sich anfühlen, als würden sie nach dem Sonnenlicht greifen. Es ist eine Meisterklasse in globalen Polyrhythmen, die komplexe, progressive Themen so natürlich wie einen Herzschlag wirken lässt.

Overkhaos - Embracing Change

Ein etablierter Name in der europäischen Progressive-Szene, bekannt für technische Präzision und komplexe Arrangements. Progressive Metal. Sie verbinden schwere, math-y Riffs mit melodischen, schwebenden Vocals und atmosphärischen Synth-Texturen. Wenn du Metal magst, der sich wie ein rasantes Puzzle anfühlt, bist du bei Overkhaos genau richtig. Er ist raffiniert, komplex und macht seinem Namen alle Ehre, indem er sich auf sich entwickelnde Strukturen stützt. Es ist intelligenter Metal, der dennoch genug Power hat, um deinen Kopf trotz aller Taktwechsel ständig mitwippen zu lassen.

Panopticon - Det hjemsøkte hjertet

Lunn ist ein produktiver Multi-Instrumentalist, der seine Musik bekanntlich aus Protest gegen die Werbeauswahl von Spotify von der Plattform entfernt hat. Dieses Album ist der letzte Teil einer konzeptionellen Trilogie. Atmosphärischer Black Metal / Folk / Post-Rock. Erwarte vernichtende Black-Metal-Intensität gepaart mit traditionellen Bluegrass-Instrumenten wie Pedal Steel, Lap Steel und Holzflöte. Das ist Wilderness Metal auf seinem Höhepunkt. Es ist eine 66-minütige Reise durch verschneite Wälder und innere Unruhe. Es ist brutal, wunderschön und zutiefst filmisch - die Art von Platte, die dich dazu bringt, eine Hütte im Wald zu bauen, nur um sie in ihrer natürlichen Umgebung hören zu können.

Ray Bull - Please Stop Laughing

Das Duo lernte sich während seines Bildenden-Kunst-Studiums an der Cooper Union kennen. Nach ihrem Debüt im Jahr 2021 und einem riesigen Erfolg auf TikTok sind sie zu musikalischen Chamäleons geworden, die dafür bekannt sind, hochkarätige visuelle Elemente mit eingängigen Hooks zu verbinden. Eine ausgefeilte Mischung aus 80er-Jahre-Synth-Pop, 70er-Jahre-Laurel-Canyon-Folk und modernem Indie-Rock. Stellt euch den melodischen Witz von The Strokes gemischt mit den üppigen Harmonien der Beach Boys vor. Dieses Album fühlt sich an wie eine Identitätskrise, zu der man tanzen kann. In einem Moment ist es eine mandolinenlastige Folk-Hymne, im nächsten ein glänzender Pop-Kracher. Es fängt dieses spezifische New Yorker Cool ein und bleibt dabei spielerisch selbstironisch - perfekt für alle, die ihre tiefgründigen Gedanken gerne mit einem eingängigen Refrain serviert bekommen.

Red Eye Temple - Purgatory City

Sie zogen von Russland nach Österreich und gründeten die Band offiziell im Jahr 2020. Sie sind bekannt für eine hochintensive, kompromisslose kreative Vision, die ihre gemeinsamen Rock-Einflüsse mit komplexen progressiven Strukturen verbindet. Progressive Metal, Progressive Rock und Heavy Metal. Ihr Sound ist fein verwoben und komplex und zeichnet sich durch eine atmosphärische Mischung aus eindringlichem Flüstern und kraftvollen Fry Screams aus. Die Produktion von "Purgatory City" wird als angenehm und natürlich beschrieben, wobei der Bass durch die Noten hindurchsickern darf. Das Anhören von "Purgatory City" fühlt sich an, als würde man um Mitternacht durch eine weitläufige, futuristische Metropole navigieren. Es ist Progressive Metal mit Seele; Marias jazzbeeinflusster Gesang sorgt für eine seltene Intensität, die sie von den typischen Opernstimmen des Genres abhebt. Das Songwriting ist abenteuerlich und springt von der druckvollen Energie der Lead-Single "Neonblind" zu epischen, vielschichtigen Tracks wie "Sacrifice". Es ist ein stressfreies und doch zutiefst technisches Album - perfekt für alle, die die Komplexität eines 10-minütigen Prog-Epos suchen, aber mit dem Herz und den Rock’n’Roll-Instinkten, die nur eine Familienband bieten kann.

Relent - SUFFER

Eine energiegeladene Band, die sich im Rahmen des aktuellen Nu-Metal-Revivals schnell einen Namen gemacht hat. Bekannt für ihre aggressive, aber positive Botschaft, haben sie sich einen Ruf für intensive Live-Auftritte und unverfälschte, ehrliche Texte erarbeitet. Nu-Metal / Rap-Core. Stark beeinflusst von den Titanen der frühen 2000er Jahre wie P.O.D., Linkin Park und Limp Bizkit, mischen sie schwere Grooves mit Hip-Hop-Flair und massiven melodischen Refrains. "SUFFER" ist wie ein Adrenalinstoß direkt ins Herz. Es ist laut, provokativ und zutiefst ehrlich in Bezug auf die Herausforderungen des modernen Lebens. Zwischen den rasanten Strophen und den erderschütternden Breakdowns ist es ein Album, das dir helfen soll, deine Probleme zu überwinden, anstatt vor ihnen davonzulaufen.

Restless Spirit - Restless Spirit

Ursprünglich als Trio gegründet, hat sich diese Band jahrelang im Underground hochgearbeitet und sich von einer rauen Stoner-Rock-Band zu einer komplexeren, kraftvollen Größe in der amerikanischen Metal-Szene entwickelt. Stoner Doom / Sludge Metal. Als wichtigste Inspirationsquellen nennen sie Legenden wie Black Sabbath, Type O Negative und The Obsessed. Ihr Sound zeichnet sich durch massive, verzerrte Riffs, melancholische Melodien und eine düstere, sumpfige Atmosphäre aus. Dieses Album ist ein Autounfall in Zeitlupe - im besten Sinne. Es ist dicht, schwer und getränkt von einer New Yorker Düsternis, die sich anfühlt wie eine feuchte Nacht in einer verwunschenen Gasse. Wenn du Riffs magst, die sich wie eine Gewichtsdecke anfühlen, ist dies dein neues Lieblingsalbum.

Rexoria - Fallen Dimension

Rexoria, ein Schwergewicht der Royal-Metal-Szene, hat sich seit ihrem Debüt im Jahr 2018 zu einer aufstrebenden Kraft im europäischen Metal entwickelt. Sie lassen sich von der klassischen schwedischen Melodic-Metal-Tradition inspirieren und verbinden die Kraft von Battle Beast mit den folkigen Melodien von Nightwish. Melodic Metal / Power Metal. Freut euch auf die kraftvollen Vocals von Frida Ohlin, mitreißende Refrains und zweigitarrige Harmonien, die wie geschaffen für die große Bühne sind. Dieses Album ist ein glorreiches, mitreißendes Abenteuer. Es klingt wie ein High-Fantasy-Roman, der mit einem modernen Heavy-Metal-Budget zum Leben erweckt wurde. Vom Gastauftritt von Johnny Gioeli bis hin zu explosiven Tracks wie "Metallic Rain" ist es ein Album, das es schafft, sowohl technisch beeindruckend als auch unglaublich unterhaltsam zu sein - perfekt für alle, die ihren Metal mit einer Prise epischer Erzählkunst genießen möchten.

Royal & the Serpent - Emptiness Is Godly

Santiago, bekannt für ihren viralen Hit "Overwhelmed" aus dem Jahr 2020, ist eine Art-Pop-Entdeckerin, die seit Jahren konzeptionelle EPs wie die Rat-Trap-Reihe veröffentlicht. Sie verbindet eine neurotische lyrische Ehrlichkeit mit energiegeladenen, multisensorischen Auftritten. Alt-Pop / Art-Pop / Electropop. Das Album wird als multisensorisches Erlebnis beschrieben, angeführt von Singles wie "Favorite Person" und "Fiona". Diese Platte ist eine wunderschön kontrollierte Explosion. Royal & the Serpent schaffen es, dass den Verstand verlieren wie die beste Party der Stadt klingt. Es ist glatt und filmisch, doch unter den Pop-Hooks verbirgt sich eine raue, schroffe Seite, die sich vollkommen menschlich und unangenehm vertraut anfühlt.

rumo plum - Bloom Again

runo plum ist eine Indie-Folk-Musikerin, die mit ihrem Debütalbum patching aus dem Jahr 2025 große Aufmerksamkeit erlangte. Ihr Schaffen ist tief in der Lo-Fi- und Bedroom-Pop-Szene verwurzelt und schöpft aus persönlichen Reflexionen, Liebeskummer und emotionaler Heilung. Alternative Folk / Indie Rock. Diese EP wird als melancholische Akustik-Sammlung beschrieben, die die zarte Offenbarung neuer Liebe und die Unvermeidbarkeit des Heilungsprozesses einfängt. Sie ist das musikalische Äquivalent einer ersten Frühlingsblume, die sich durch den Schnee drängt. Sie ist ruhig, zerbrechlich und von intensiver Intimität - größtenteils in einem Heimstudio aufgenommen, aber durch den Mitwirkenden Philip Brooks mit einer magischen Tiefe versehen. Es ist heilende Musik, die nicht nur davon erzählt, dass es einem besser geht; sie klingt wie der tatsächliche Moment, in dem man erkennt, dass alles wieder gut wird.

Saasta - Cesspool

Saasta wurden 2021 gegründet und haben sich schnell zu einem Namen entwickelt, den man in der finnischen Extreme-Underground-Szene im Auge behalten sollte. Sie schlagen eine Brücke zwischen Sludge, Grindcore und Death Metal und nennen den dreckigen Sound von Eyehategod sowie die technische Präzision von Napalm Death als ihre wichtigsten Inspirationsquellen. Death-Sludge / Crust Punk. Ihr Sound ist langsam, schlammig und unglaublich aggressiv, unterbrochen von plötzlichen Ausbrüchen von Grindcore-Geschwindigkeit. Der Titel "Cesspool" hält, was er verspricht. Dieses Album ist ein schmutziges, erstickendes Kriechen durch die Kanalisation. Es ist schwer genug, um Asphalt zu zerbrechen, und düster genug, um deine Stimmung auf die bestmögliche Weise zu ruinieren. Es ist das perfekte klangliche Äquivalent eines wirklich schlechten Tages - laut, wütend und unerbittlich trostlos.

Sabotør - Første Aksjon

Ein neues Power-Trio aus der fruchtbaren norwegischen Punk- und Garagenrock-Szene. Sie knüpfen an die energiegeladene Scandi-Rock-Tradition von The Hellacopters und Turbonegro an, gemischt mit der rohen, politischen Schärfe der frühen Kvelertak. Action Rock / Punk’n’Roll / Thrash Metal. Schnell, laut und komplett auf Norwegisch gesungen, konzentriert sich die Musik auf Geschwindigkeit, Biss und lokale Rebellion. Das ist benzingetränkter Rock’n’Roll. Es ist der Sound eines Fluchtautos, das durch einen Fjord rast. Es ist kurz, knackig und überzieht es nicht - nur vier Tracks purer, unverfälschter Energie, die Lust machen, einen Aufstand anzuzetteln oder zumindest eine Jeansjacke zu kaufen.

sace6 - brutalist

Das Projekt ist eine Zusammenarbeit zwischen Musikern aus New York und New Jersey. Es besteht aus dem Sänger Sace (ursprünglich ein Solo-Emo-Rap-Künstler) und dem Gitarristen und Sänger Noah Thomas. Eine kontrastreiche Fusion aus Alternative Metal, Experimental R&B, Metalcore und Pop. Das Album zeichnet sich durch seine klangliche Chemie aus, die zarte R&B-Melodien und seidig-weiche Pop-Vocals dazu zwingt, mit vernichtenden Metal-Riffs, Breakdowns und elektronischen Flattertönen zu koexistieren. Wäre "Brutalist" eine Person, wäre es ein sensibler Dichter, der eine Rüstung trägt. Es ist ein Album, das einen zum Weinen bringt und einem gleichzeitig ein finsteres Gesicht verzieht. Im Mittelpunkt steht die unverfälschte, nachvollziehbare Perspektive persönlicher Kämpfe, Selbstfindung und komplexer Beziehungen. In einem Moment schwebst du in einer Träumerei aus R&B-Intimität, und im nächsten wirst du in einen Moshpit voller Metal-Intensität gestoßen. Es ist eingängig genug für eine Pop-Playlist, aber heavy genug, um deinen inneren Metalhead zu befriedigen - im Grunde der perfekte Soundtrack für eine Trennung, die du überstehen willst, indem du ins Fitnessstudio gehst.

Sacriversum - Before The Birth Of Light

Dies ist ein großes Comeback für eine der Kultlegenden der polnischen Metal-Szene der 90er Jahre. Die 1992 gegründete Band Sacriversum war ein Pionier des Gothic/Death-Metal-Crossovers. Diese neue Veröffentlichung ist ihr erstes neues Material seit zwei Jahrzehnten und ist geprägt von der symphonischen Dunkelheit von Therion und dem frühen Gothic Doom von Paradise Lost. Symphonic Gothic Metal. Der Sound ist grandios und opernhaft, geprägt von orchestralen Arrangements, schweren Riffs und einer Mischung aus klarem und gutturalem Gesang. Das ist Vampir-Schloss-Metal, wie er sein soll. Er ist dramatisch, heavy und unverhohlen episch. Nach zwanzig Jahren im Schatten kehrt die Band mit einem Sound zurück, der größer und düsterer ist als je zuvor. Es fühlt sich an wie ein lange verschollenes Meisterwerk aus den 90ern, das versehentlich mit der Technologie von 2026 aufgenommen wurde - eine perfekte Mischung aus Nostalgie und moderner Kraft.

sadie - Better Angels

Die aufstrebende Singer-Songwriterin sadie hat sich in der britischen Indie-Szene mit ihren verletzlichen, an Tagebucheinträge erinnernden Texten einen Namen gemacht. Als wichtige Vorbilder nennt sie den Confessional Pop von Phoebe Bridgers und die üppige, von den 90er Jahren inspirierte Produktion von Mazzy Star. Alt-Pop / Bedroom Pop / Dream Pop. Freut euch auf intimen Gesang, verträumte Gitarrenklänge und Texte, die den Kampf darum thematisieren, in einer chaotischen Welt gut zu sein. "Better Angels" ist das musikalische Äquivalent zu einem tiefgründigen Gespräch mit eurer besten Freundin um 2 Uhr morgens. Es ist sanft, leicht melancholisch, aber letztendlich hoffnungsvoll. Sadie versteht es, ihre persönlichen Ängste universell wirken zu lassen, eingehüllt in Melodien, die so süß sind, dass man fast vergisst, dass sie einem das Herz bricht. Es ist Sad-Girl-Pop mit einem Silberstreif am Horizont.

Sareban - Echoes in the Weave

Sareban ist ein experimentelles Projekt unter der Leitung des iranischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Amir Sareban. Seine Arbeit ist eine Schnittstelle zwischen traditioneller persischer Volksmusik und modernster westlicher Elektronikproduktion. Er lässt sich maßgeblich vom persischen Radif und der modularen Synthese von Künstlern wie Alessandro Cortini inspirieren. Experimentelle Elektronik / Folktronica / IDM. Das Album präsentiert traditionelle Instrumente wie Setar und Tar, die durch starke Glitch- und Ambient-Texturen verarbeitet wurden. Diese Platte ist wie ein digitaler Webstuhl, der aus Laserstrahlen einen Seidenteppich webt. Sie ist zutiefst meditativ, trägt aber eine nervöse Energie in sich, die einen auf Trab hält. Es fühlt sich an, als würde alte Geschichte direkt in das Gehirn heruntergeladen - ein klanglicher Wandteppich, der ebenso schön wie technisch komplex ist.

Scarab - Transmutation Of Fate

Ägyptens legendärster Export im Bereich des Extreme Metal. Die Band feiert ihr 20-jähriges Bestehen und gilt als Meister des Ancient Egyptian Death Metal - beeinflusst von der brutalen Erhabenheit von Nile, jedoch mit einem eher ritualistischen, atmosphärischen Ansatz. Atmosphärischer / ritualistischer Death Metal. Das Album greift neoglyphische Konzepte und alte phonetische Beschwörungsformeln auf, um einen Sound zu schaffen, der ebenso sehr eine Zeremonie wie eine EP ist. Dies ist nicht nur eine EP; es ist eine klangliche Ausgrabung. Sie ist dicht, erdrückend und unglaublich grandios. Scarab nutzt Death Metal, um ein Tor zur antiken Welt zu öffnen, sodass man das Gefühl hat, die Pyramiden selbst würden vor Verzerrung zu summen beginnen. Es ist ritualistische Verwüstung, die die meisten anderen Metal-Bands so klingen lässt, als würden sie nur in einer Garage spielen.

Siril Malmedal Hauge, Kjetil Mulelid - I Remember Oranges

Beide sind bekannte Größen der norwegischen Jazzszene. Seit einem Jahrzehnt arbeiten sie zusammen, angefangen schon während ihres Studiums in Trondheim. Auf diesem Album sind Gäste wie der Trompeter Mathias Eick zu hören, und im Mittelpunkt steht ihre tief intuitive musikalische Verbindung. Zeitgenössischer Jazz und Art-Pop. Es ist ein intimes, ungefiltertes Duo-Projekt mit Klavier und Gesang. Das musikalische Äquivalent eines ruhigen, sonnendurchfluteten Morgens. Es ist reduziert und verletzlich und konzentriert sich auf das Zusammenspiel zwischen Hauges kristallklarer Stimme und Mulelids eigenwilligem Klavierspiel. Es ist eingängig, aber raffiniert - einfach genug, um mitzusummen, aber komplex genug, um den Geist zu beflügeln.

Social Distortion - Born to Kill

Dies ist ihr erstes Studioalbum seit 15 Jahren, nachdem sich Frontmann Mike Ness von seiner Mandelkrebserkrankung erholt hat. Die Band gilt nach wie vor als Maßstab für Cowpunk und verbindet Rock’n’Roll der 1950er Jahre mit der rauen Punk-Attitüde der 1970er Jahre. Punkrock / Rock’n’Roll. Freuen Sie sich auf ihre klassische Mischung aus melodischer Rebellion und lebensmüder Härte. Das Warten war länger als eine Gefängnisstrafe, aber "Born to Kill" beweist, dass Mike Ness immer noch den schärfsten Knurrer der Branche hat. Es ist pure Rock-Wut - drängend, rau und zutiefst gefühlvoll. Es klingt nach Lederjacken, billigem Whiskey und Überleben. Nach 40 Jahren ist Social Distortion immer noch der Boss des OC.

Solar Mantra - State Of Joyful Lightness

Die 2017 gegründete Band stand bereits mit Orange Goblin und Mondo Generator auf der Bühne. Ihr zweites Album markiert eine Hinwendung zu einem dunkleren, härteren Sound, inspiriert von Kyuss, Queens of the Stone Age und Clutch. Stoner Rock / Grunge / Psych-Rock. Es verbindet dichte, verzerrte Wüsten-Grooves mit rauer Grunge-Spannung. Dieses Album ist wie eine schwere, violette Wolke, die über die italienische Landschaft zieht. Es ist laut, summend und trifft mit einer mürrischen Intensität, die sich viel geerdeter anfühlt als ihr Debüt. Es ist der perfekte Soundtrack für eine lange Fahrt durch die Wüste, bei der es einem nichts ausmacht, sich ein wenig in der Verzerrung zu verlieren.

Stephen Sanchez - Love, Love, Love

Nachdem ihn sein Durchbruchshit "Until I Found You" zu einer Retro-Pop-Ikone gemacht hat, entfernt sich Sanchez nun von dem Troubadour-Charakter der 1950er Jahre, den er auf seinem Debütalbum "Angel Face" verkörperte. Für dieses Album lässt er sich vom Motown-Soul der 1960er Jahre und der Agape-Liebe (bedingungslose Liebe für die gesamte Menschheit) inspirieren, die er dem Film "Selma" und Dr. Martin Luther King Jr. verdankt. Moderner Retro-Pop / Soul. Während er seinen charakteristischen Crooner-Stil beibehält, ist der Sound technicolor-artiger und beschwingter als bei seinen früheren Werken. Wenn Sie schon immer einmal hören wollten, wie es klingt, sich zu verlieben, während man buchstäblich durch einen Regenbogen spaziert, dann ist dies genau das Richtige. Es ist lebhaft, optimistisch und unglaublich eingängig. Es tauscht den Herzschmerz der 50er gegen die hoffnungsvollen Grooves der 60er Jahre ein und ist damit der ultimative Soundtrack für alle, die noch an die guten alten Zeiten der Romantik glauben.

Still Living - Ashes

Still Living wurden 2003 gegründet und sind eine feste Größe der brasilianischen Melodic-Metal-Szene. Sie sind stark von den Big Three des Power Metal beeinflusst: Helloween, Stratovarius und ihren Landsleuten Angra. Melodic Power Metal / Hard Rock. Ihr Sound zeichnet sich durch rasantes Double-Bass-Drumming, neoklassische Gitarrenriffs und den hochfliegenden, mehrere Oktaven umfassenden Gesang von Renato Costa aus. Wenn du die Zeiten vermisst, in denen es beim Metal noch um heroische Refrains und blitzschnelle Soli ging, bei denen einem schon vom Zuhören die Finger wehtaten, dann ist "Ashes" dein neuer bester Freund. Es ist Feel-Good-Metal mit technischem Anspruch - ein triumphales Album, das sich anfühlt, als würde man einen Schwertkampf auf dem Rücken eines Drachen gewinnen.

Sungrave - Afterglow

Ein neues Projekt mit Veteranen der schwedischen Melodic-Death-Metal-Szene. Sie lassen sich von der atmosphärischen Düsternis von Katatonia und der progressiven Wucht von Opeth inspirieren, kombinieren dies jedoch mit einem modernen, cineastischen Produktionsstil. Atmosphärischer Melodic Metal / Progressive Rock / Post Grunge. Erwarte schwere, tief gestimmte Riffs, die durch eindringlichen, klaren Gesang und üppige Keyboard-Texturen ausgeglichen werden. "Afterglow" klingt wie ein Sonnenuntergang auf einem Friedhof. Es ist wunderschön traurig und überraschend heavy und trifft genau den Sweet Spot zwischen Ich will headbangen und Ich will über die Vergänglichkeit des Daseins nachdenken. Es ist ausgefeilt, grandios und sehr, sehr schwedisch - was bedeutet, dass es verdammt stimmungsvoll und doppelt so eingängig ist.

Teatre - All Constellations Weaving Into One

Teatre ist das experimentelle Projekt des Multi-Instrumentalisten Egor Grushin. Stark beeinflusst von der abstrakten Elektronik von Autechre und den weitläufigen Post-Rock-Klanglandschaften von Sigur Rós konzentriert sich dieses Projekt auf die Schnittstelle zwischen organischem und digitalem Klang. Experimenteller Ambient / Post-Rock / Glitch. Das Album ist ein dichtes Gewebe aus gefundenen Klängen, bearbeiteten Streichern und flackernden elektronischen Beats. Diese Platte ist, als würde man durch ein Kaleidoskop beobachten, wie ein Stern in Zeitlupe explodiert. Es ist still, dann plötzlich gewaltig, dann glitchig - wie eine Übertragung von einem Satelliten, der zu träumen begonnen hat. Es ist die perfekte Musik für nächtliche Gedanken oder dafür, an die Decke zu starren, bis sie sich zu bewegen beginnt.

Teloch Vovin - Towards The Inevitable

Benannt nach dem enochischen Begriff für Todesdrache, ist dieses Kollektiv seit 2010 eine feste Größe in der Underground-Szene. Sie sind stark von der rohen, ritualistischen Seite des Black Metal beeinflusst und nennen Bands wie Beherit und Bathory als Vorbilder, während sie Glocken, Glockenspiele und unheimliche atmosphärische Geräusche einbinden. Black Metal / Death Metal, / Thrash Metal. Es ist düster, beklemmend und tief in okkultem Mystizismus verwurzelt. Dies ist nicht nur ein Album, es ist eine Séance. Beim Hören fühlt man sich wie in einer Kathedrale gefangen, die langsam in einem Sumpf versinkt. Es ist aggressiv und chaotisch, doch in diesem Lärm liegt eine seltsame, eindringliche Schönheit. Perfekt, wenn man inmitten von Rückkopplungen und kehligen Flüstern über die Leere nachdenken möchte.

Telomyras - Duskfall

Eine aufstrebende Kraft in der New Wave of Traditional Heavy Metal. Dieses Quintett mit einer Sängerin lässt sich von den Doppelgitarren-Harmonien von Iron Maiden und der aggressiven, technischen Schärfe von Megadeth und Arch Enemy inspirieren. Traditioneller Heavy Metal / Thrash. Freut euch auf galoppierende Rhythmen, komplexe Doppelgitarren-Parts und kraftvollen, hochfliegenden Gesang. Diese Platte ist eine rasante Verfolgungsjagd durch ein Gewitter. Sie ist unverhohlen Old School, wirkt aber dank einer knackigen, modernen Produktion frisch. Wenn du Metal mit Lederjacken, Air-Gitarren-würdigen Soli und Songs über apokalyptische Schlachten magst, ist Duskfall der Treibstoff für deine nächste nächtliche Autofahrt.

Teramaze - The Silent Architect

Unter der Leitung des Gitarristen und Bandgründers Dean Wells gehören Teramaze zu den produktivsten Vertretern des Progressive Metal aus Australien. Sie verbinden die technische Komplexität von Dream Theater mit den mitreißenden, radiotauglichen Melodien von Toto oder Journey. Progressive Metal / Melodic Rock. Dieses Album setzt ihren Stil mit hochkarätiger Produktion, komplexen Taktarten und emotional aufgeladenen Geschichten fort. Das ist Metal für Denker, der nicht vergisst, dir einen Refrain zu bieten, den du tatsächlich mitsingen kannst. Es ist grandios, cineastisch und technisch makellos. Wells errichtet hier klangliche Wolkenkratzer - jeder Track ist ein komplexes architektonisches Wunderwerk, das dennoch zugänglich und unglaublich eingängig bleibt. Es ist episch, ohne anstrengend zu sein.

Thaiboy Digital - Paradise

Ein Kernmitglied des einflussreichen Kollektivs Drain Gang an der Seite von Bladee und Ecco2k. Sein Stil ist eine Weiterentwicklung der Cloud-Rap-Bewegung, beeinflusst vom frühen Chief Keef und der ätherischen, futuristischen Produktion von Whitearmor. Cloud Rap / Ethereal Trap. Freut euch auf stark mit Auto-Tune bearbeitete Vocals über schimmernden, durchscheinenden Beats, die den Eindruck erwecken, als würden sie im digitalen Raum schweben. "Paradise" zu hören ist, als säße man in einem luxuriösen Einkaufszentrum fest, das gerade den Saturn umkreist. Es ist glanzvoll, surreal und unglaublich eingängig. Thaiboy präsentiert einen Lebensstil des digitalen Luxus, bei dem sich jeder 808-Beat anfühlt, als würde ein Diamant auf einen Glastisch fallen. Es ist die ultimative Stimmung, um einen Sonnenuntergang durch einen Handybildschirm zu betrachten.

The Ascended - The Damned and The Betrayed

Als aufstrebende Stars der australischen Metal-Szene ist die Band stark von der New Wave of American Heavy Metal beeinflusst. Man stelle sich die vernichtenden Grooves von Lamb of God gepaart mit der melodischen Sensibilität von Killswitch Engage vor. Modern Groove Metal / Melodic Death Metal. Das Album besticht durch knochenerschütternde Riffs, die durch hymnische Hooks mit klarem Gesang ausgeglichen werden. Diese Platte ist eine Nackenbrecher-Reise durch Verrat und Widerstandskraft. Es klingt wie ein Gewitter, das auf eine Stahlfabrik trifft - laut, heavy und strukturell solide. Wenn du schon immer mal pogen und dich gleichzeitig inspiriert fühlen wolltest, deine Feinde zu besiegen, dann ist dies dein Soundtrack.

The Family Men - Co/de/termination

Ein Leftfield-Kollektiv, das in der Göteborger Szene für seine wilden und unglaublich lauten Live-Auftritte bekannt ist. Angeführt wird die Band von Sänger Gustav Danielsbacka, der dafür bekannt ist, in die Menge zu springen und inmitten von Lärm zu performen, der an einen Angriff erinnert. Industrial Noise / Hardcore / Electro-Metal. Mit Samplern, Metal-Percussion, Tonbandschleifen und bis zum Äußersten verzerrten Gitarren schaffen sie einen ungefilterten Ausdruck roher Energie. Diese Platte ist eine prägnante, mechanische Panikattacke. Es ist der Klang einer Fabrikhalle, die sich gegen ihre Betreiber wehrt. Zwischen dem kreischenden Feedback und den nervösen Projektionen im VHS-Stil (die man praktisch hören kann) ist es ein kompromissloses Statement moderner Dringlichkeit, das nicht nur um deine Aufmerksamkeit bittet - es fordert sie mit einem Metallrohr ein.

The Flatliners - Cold World

Ein für den Juno nominiertes Punk-Quartett, das seit über 20 Jahren aktiv ist. Während sie als Ska-Punk-Band begannen, haben sie sich zu einer festen Größe im Melodic Punk und Alternative Rock entwickelt, beeinflusst von Bands wie Hot Water Music und The Menzingers. Punkrock / Alternative Rock. Dieses Album beschäftigt sich mit Themen wie toxischer Männlichkeit, der Angst, Gefühle zu zeigen, und den Geistern vergangener Generationen. Diese Platte ist eine herzliche Umarmung für alle, die sich von der modernen Welt eingefroren fühlen. Es ist Nowstalgie vom Feinsten - eine Punk-Energie im Stil der 90er, die sich vollkommen in der Gegenwart verankert anfühlt. Es ist melodisch, rau und beweist, dass man erwachsen werden kann, ohne seine Schärfe zu verlieren; es ist der Sound einer Band, die endlich die perfekte Balance zwischen Angst und Weisheit gefunden hat.

The Haunted Youth - Boys Cry Too

Dies ist das zweite Album von Joachim Liebens, der als Bedroom-Pop-Projekt begann und sich schnell zu einer belgischen Indie-Sensation entwickelte. Sein Sound ist stark vom Indie, Goth und Synth-Pop der 80er Jahre von The Cure, MGMT und DIIV geprägt. Dream Pop / Indie Rock mit einem Hauch von Heavy Pop. Diese Platte zeichnet sich dadurch aus, dass sie konfrontativer und aggressiver ist als sein Debüt und zerbrechliche Melodien mit Verzerrung und explosiver Energie verbindet. Wenn du schon immer einmal in einem Regenschauer tanzen wolltest, während du über jedes Gespräch nachgrübelst, das du je geführt hast, dann ist dies das richtige Album für dich. Es ist die Verkörperung von Emo is not dead - roh, ehrlich und monumental. Es tauscht die unschuldigen, verträumten Vibes gegen einen druckvolleren, wütenderen Sound ein, der sich wie eine notwendige emotionale Reinigung anfühlt.

The Jungle Giants - Experiencing Feelings of Joy

Seit 15 Jahren ein fester Bestandteil der australischen Indie-Szene, angeführt von Frontmann Sam Hales. Dieses fünfte Album stellt eine deutliche Abkehr vom bisherigen Stil dar und entstand nach Hales’ Trennung von seiner Verlobten Janet Planet (von Confidence Man). Es schöpft aus der Four-on-the-Floor-Energie von Indie-Dance und Electro-Pop. Indie-Pop / Dance-Rock / Alt-Pop. Es ist ein happy-sad-Album, das mit fröhlicher, schimmernder Produktion die Texte über tiefgreifenden persönlichen Verlust überdeckt. Das ist das musikalische Äquivalent zum Tanzen durch die Tränen. Es ist wie eine Zehn-Song-Stufenleiter zur Genesung aufgebaut, auf der sich jeder Synth-Hook wie ein kleiner Sieg über den Liebeskummer anfühlt. Es ist verletzlich, ungeschützt und gefährlich eingängig - perfekt für alle, die auf der Tanzfläche trübselig sein wollen, aber trotzdem so aussehen möchten, als hätten sie eine tolle Zeit.

The Keating Contingency - Scream Into The Void

Dies ist das Solo-Studio-Projekt von Shea Keating, an dem über zwei Jahre lang gearbeitet wurde. Obwohl Keating der Hauptsongwriter ist, hat er eine beeindruckende Reihe von Mitwirkenden hinzugezogen, darunter Mitglieder von Chimaira, Daath und The Dresden Dolls, die für Schlagzeug und Gesang zuständig sind. Melodic Death Metal. Es ist ein kraftvoller Sound, der aggressive Riffs mit atmosphärischer, düsterer Melodik in Einklang bringt. Diese EP ist genau das, was der Titel verspricht: ein kathartischer, ohrenbetäubender Energieschub für den Moment, in dem man die Nase voll von der Welt hat. Sie ist meisterhaft ausgefeilt und präsentiert einige der besten Namen der Metal-Underground-Szene, wodurch sie sich weniger wie ein Solo-Projekt anfühlt, sondern eher wie eine Heavy-Metal-Supergroup, die eine sehr laute, sehr gekonnte Midlife-Crisis durchlebt.

The Narrator - Phosphor

Ein kraftvolles Quartett aus dem Ruhrgebiet, das mit dieser Veröffentlichung den Sprung vom Underground auf die große Bühne geschafft hat. Sie lassen sich stark von der Blütezeit von Killswitch Engage inspirieren und verbinden diese mit der modernen Intensität von Bring Me The Horizon. Moderner Metalcore. Freut euch auf eine energiegeladene Mischung aus groovigen Strophen, massiven Breakdowns und mitreißenden, hymnischen Refrains. Wenn du dich ein bisschen existentiell erschöpft fühlst, ist dies genau die Therapie, die du brauchst. Das Album bewegt sich auf dem schmalen Grat zwischen Hoffnung und Selbstzerstörung in einer globalen Krise. Es ist auf Hochglanz poliert (dank des Masterings von Ted Jensen) und bietet echten Metalcore, der mehr daran interessiert ist, einen Moshpit zu entfachen, als im Radio gespielt zu werden.

The Natural Yogurt Band - Carne

Unter der Leitung des geheimnisvollen Miles Newbold erlangte dieses Projekt Berühmtheit, nachdem vor Jahren ein Paket ohne Absender vor der Tür von Jazzman Records aufgetaucht war. Newbold ist der Meister des Chicken-Shack-Studios, wo er rohe, geräuschvolle und eindringliche Klanglandschaften erschafft. Neo-Library / Psychedelic Jazz Fusion / Funk Breaks. Es ist stark beeinflusst von den verstaubten Klängen der Film- und TV-Musik (Library Music) der 1960er/70er Jahre aus ganz Europa, gemischt mit schweren, hiphoptauglichen Drum-Loops. Das ist paranoider Funk in seiner höchsten Form. Es klingt wie der Soundtrack zu einem Heist-Movie der 1970er Jahre, in dem der Fluchtfahrer ein sehr funkiger, sehr koffeinhaltiger Geist ist. Mit modularen Zwitscherklängen und Vintage-Drumcomputern ist es ein seltsamer, immersiver Trip, bei dem man das Gefühl hat, von einer Bläsersektion verfolgt zu werden.

The Quill - Master Of The Skies

Das sind echte Veteranen, die seit über 35 Jahren im Geschäft sind. Mit dabei sind Größen wie Sänger Magnus Ekwall (Ayreon) und Bassist Roger Nilsson (Spiritual Beggars/Arch Enemy). Heavy Retro Rock / Stoner Metal. Ihr Sound ist ein musikalischer Dialog zwischen Hardrock-Giganten der 70er Jahre wie Black Sabbath und Deep Purple, gemischt mit der rauen Schärfe des Grunge und Stoner Rock der 90er Jahre. Dieses Album ist heavy, ohne plump zu sein. Es fängt einen dunkleren, atmosphärischeren Ton ein als ihre früheren Werke und lässt Licht und Dunkelheit den Fluss bestimmen. Es ist die Art von Platte, die sich schon beim ersten Hören wie ein Klassiker anfühlt - solide, groovig und von einer zeitlosen Kraft getragen, die beweist, warum sie Meister ihres Fachs sind.

The Violet Twilight - Between the Colours and Me

Dies ist das Projekt des Multi-Instrumentalisten Tim Butcher. Nach seinem Debüt im Jahr 2023 mit "Above the Clouds" hat Butcher das Projekt von seinem Buschstudio in tiefere, akustischere Gefilde verlagert. Psych-Folk / Pastorale Psychedelia / Indie-Rock. Beeinflusst von organischen Experimenten und Psychedelic Rock, bietet dieses Album düster anmutenden Akustik-Folk, Kalimba, Harmonium und sogar einige Trompetenklänge. Wenn du dich schon immer einmal mit nichts als einer Kalimba und einem Wah-Pedal als Begleitung im australischen Busch verlieren wolltest, ist dies dein Soundtrack. Es ist trügerisch sanfte Musik, die sich wie ein Sonnenuntergang anfühlt - zunächst warm und farbenfroh, doch mit langen, dunklen Schatten, die sich einschleichen, sobald die Trompete zu heulen beginnt.

Thin Ice - Happiness Ain’t Meant For All

Die 2019 gegründete Crew aus der Kugellagerstadt Schweinfurt hat sich schnell zu einer festen Größe in der deutschen Hardcore-Szene entwickelt und ist bekannt für ihre kompromisslose DIY-Einstellung. Purer Old-School-Hardcore. Sie nennen Punk- und Hardcore-Legenden der 80er wie Outburst (von denen sie ihren Namen übernommen haben) als Vorbilder, während ihr Sound in Richtung des schweren, riffgeladenen Stils von Terror, Bitter End und Madball aus den 90ern tendiert. Lass dich vom Titel nicht täuschen - hier gibt es null Glück, nur pure, kathartische Wut. Es ist ein Hardcore-Roller, der wie eine Tonne Ziegelsteine einschlägt. Der Titeltrack thematisiert den nachvollziehbaren Schmerz, nach Erfüllung zu streben, nur um zu sehen, wie sie einem entgleitet, untermalt von Riffs, die geradezu nach einem Moshpit verlangen.

Torchia - They Are Born Under Rules of The Darkness

Torchia wurde Anfang der 2010er Jahre gegründet und wird von dem geheimnisvollen, oft maskierten Frontmann Nox angeführt. Die Band verbindet die hellenische Atmosphäre des Okkult-Metal mit der messerscharfen Präzision des finnischen Melodic Death Metal. Stellt euch vor, Children of Bodom treffen auf Behemoth in einem gotischen Horrorroman aus dem 19. Jahrhundert. Melodic Death / Blackened Thrash. Dieses Album setzt auf theatralische, filmische Arrangements und behält dabei einen brutalen, maschinenartigen rhythmischen Kern bei. Diese Platte ist eine theatralische Vision der Hölle. Sie bietet alles von Kehlkopfgesang und Violinen bis hin zu U-Boot-Sonar-Pings, alles verpackt in hochoktanigem Death Metal. Es ist düster, stimmungsvoll und überraschend eingängig - das musikalische Äquivalent eines wunderschön gedrehten Schwarz-Weiß-Horrorfilms, der gelegentlich in Technicolor-Gewalt explodiert.

Torian - The Lost Legion Rising

Torian sind seit 2002 eine feste Größe in der deutschen Szene und haben zwei Jahrzehnte damit verbracht, eine Mischung aus klassischem europäischem Power Metal und rauem US-Thrash zu perfektionieren. Als Einflüsse nennen sie die melodische Meisterschaft von Running Wild und Gamma Ray ebenso wie den härteren Sound des amerikanischen Metal. Power Metal / Heavy Metal. Dieses fünfte Studioalbum wird als ihr bisher fokussiertestes und aggressivstes gefeiert und besticht durch scharfe Riffs und den kraftvollen, hochfliegenden Gesang von Marc Hohlweck. Wenn ihr Musik sucht, die euch das Gefühl gibt, eine mittelalterliche Armee in eine futuristische Schlacht zu führen, dann ist dies genau das Richtige. Es ist Faust-hoch-Metal vom Feinsten - vollgepackt mit hymnischen Refrains über Widerstand und Soul Vampires, alles präsentiert mit einer Produktion, die wie ein polierter Chromhammer klingt.

Trip Villain - Dose

Trip Villain ist eine aufstrebende Größe in der Hyperpop- und Digital-Hardcore-Szene. Ihr Hintergrund liegt in der DIY-Produktion des Internetzeitalters, wobei sie sich von der glitchigen Energie von 100 gecs und den rauen Texturen von Death Grips inspirieren lassen. Hyperpop / Glitchcore / Phonk. Es ist eine rasante Kollision aus verzerrtem Bass, hochgestimmten Vocals und Industrial-Noise. Diese Platte ist wie ein Zuckerschock während eines Computerabsturzes. Sie ist laut, hell und auf die bestmögliche Art und Weise leicht überwältigend. Es fühlt sich an, als würde man mit vierfacher Geschwindigkeit durch TikTok scrollen, während das Gehirn mit Neonbonbons bombardiert wird. Sie ist kurz, knackig und hinterlässt das Gefühl, gerade eine sehr digitale außerkörperliche Erfahrung gemacht zu haben.

Twin Serpent - True Norwegian Blackgrass

Ein Überraschungsprojekt aus der norwegischen Underground-Szene, das die berüchtigte Black-Metal-Geschichte des Landes mit Bluegrass und Appalachian Folk verbindet. Stell dir eine Mischung aus Panopticon und Old Crow Medicine Show vor. Blackgrass (Black-Metal-/Bluegrass-Crossover). Mit Banjos, die mit der Wucht von Tremolo-Gitarren gespielt werden, und kratzendem Gesang über akustischen Rhythmen. Hast du dich jemals gefragt, wie es klingen würde, wenn Varg Vikernes bei einem Hoedown mitmachen würde? Genau so. Es ist überraschend eingängig, aber unbestreitbar düster. Es ist der perfekte Soundtrack, um eine Scheune niederzubrennen oder einfach nur in einem dunklen Wald Mondschein zu trinken. Es ist Hillbilly-Horror in seiner kreativsten Form.

Uncle Waffles - 4 Da Streets

Uncle Waffles ist die unangefochtene Prinzessin des Amapiano. Nach einem viralen Tanzvideo wurde sie über Nacht weltweit berühmt und trat seitdem auf großen Festivals wie Coachella auf. Sie ist stark von den Deep-House- und Kwaito-Wurzeln der südafrikanischen Tanzszene geprägt. Amapiano. Dieses Projekt zeichnet sich durch die für das Genre typischen Log-Drum-Basslines, gefühlvolle Klaviermelodien und Shaker aus, die die moderne afrikanische Tanzszene prägen. Das ist pure, unverfälschte Stimmung in einer Flasche. Es ist die Art von Musik, bei der man sich schon cooler fühlt, wenn sie nur im Hintergrund läuft. Sie ist entspannt, aber energiegeladen - ein paradoxer Groove, der bei einer Strandparty bei Sonnenaufgang genauso gut funktioniert wie in einem dunklen, überfüllten Club.

Unwed Sailor - High Remembrance

Unter der Leitung des Gründungsmitglieds Johnathon Ford (ehemals Roadside Monument) ist diese Band seit 1998 eine feste Größe in der Instrumental-Rock-Szene. Ford ist stark vom New-Wave-Sound der 80er Jahre (wie New Order) und sogar von Country-Musikvideos der 70er Jahre beeinflusst, die er gemeinsam mit seinem Vater angesehen hat. Instrumentaler Post-Rock / Dream Pop. Er zeichnet sich durch Fords charakteristische bassgeführte Melodien aus, die anstelle eines Sängers die Hauptstimme übernehmen. Das ist die ultimative Musik für Nachtfahrten. Sie ist voller Nostalgie, mit schimmernden Gitarren und Basslinien, die sich wie eine warme Umarmung aus einer Erinnerung anfühlen. Ein Titel, "Cinnamon", ist sogar ein Liebesbrief an die Wüste von Arizona. Es ist eingängig, filmisch und beweist, dass man keinen Sänger braucht, um eine zutiefst persönliche Geschichte zu erzählen.

Vale - Dreams

Mitchell Tremblay ist ein Multi-Instrumentalist und Songwriter, der zuvor in verschiedenen Underground-Metalcore- und Elektronik-Szenen aktiv war. Vale ist sein Geisteskind-Projekt, bei dem er fast alle Aufgaben in Produktion und Performance selbst übernimmt. Dies ist kein typischer Metalcore. Es ist eine raffinierte, hochauflösende Mischung aus Electronic Metalcore (Electrocore) und Melodic Hardcore. Man hört den ausgefeilten, synthlastigen Einfluss von Bands wie The Browning, Northlane oder Bring Me The Horizon aus ihrer Spätphase, jedoch mit einer persönlicheren, introspektiveren Lyrik. Wenn du deine Breakdowns gerne mit einer Prise neonbeleuchtetem Synth-Pop serviert bekommst, bist du hier genau richtig. Es ist Katharsis, zu der man tanzen kann. Der Gesang wechselt zwischen viszeralen Schreien und schimmernden, klaren Hooks, was das Ganze wie den Soundtrack zu einer futuristischen Stadt mitten in einem Regensturm wirken lässt. Es ist emotional schwer, klingt aber unglaublich aufwendig und ausgefeilt - perfekt für den modernen Metalhead, der keine Angst vor ein paar 808s hat.

Vile Desolation - Annihilating The Consciousness

Obwohl die Band noch relativ neu ist, besteht sie aus erfahrenen Musikern der indonesischen Death-Metal-Szene (Mitglieder von Vertiginous, Perveration und Gory). Sie sind beeinflusst von der unerbittlichen, technischen Wucht von Bands wie Suffocation und Beheaded. Brutaler Death Metal. Das ist IDDM (Indonesian Death Metal) in seiner extremsten Form - schnell, technisch anspruchsvoll und körperlich anstrengend. Wenn du dich jemals gefragt hast, wie es klingen würde, in einem Hochleistungsmixer voller Kies gefangen zu sein, dann ist das hier genau das Richtige. Es sind über 30 Minuten hochoktanige Brutalität, die nicht einfach nur für dich spielt - sie greift dich an. Technisch beeindruckend und unerbittlich düster, dient sie als perfekte akustische Abrissbirne für deinen morgendlichen Weg zur Arbeit.

Violeta Vicci & Bruno Bavota - Be Human

Beide Künstler sind feste Größen der modernen Klassik- und Ambient-Szene. Vicci ist bekannt für ihre genreübergreifenden Violin-Solo-Darbietungen, während sich Bavota einen Namen mit gefühlvollen, auf dem Flügel eingespielten Kompositionen gemacht hat. Hier verschmelzen ihre Stile, um das Rohe und das Raffinierte zu erkunden. Neoklassik / Ambient. Das Album verbindet Streicher, Klavier und subtile elektronische Texturen zu einer Klanglandschaft, die zutiefst emotional und auf den Menschen ausgerichtet ist. Diese Platte fühlt sich an wie ein tiefer Atemzug nach einem langen Tag. Es ist der Klang eines Dialogs zwischen Violine und Klavier, bei dem keines der Instrumente versucht, das andere zu übertönen. Es ist zerbrechlich, elegant und - wie der Titel schon andeutet - tief verwurzelt in der stillen Schönheit des bloßen Seins.

Voidthrone - Dreaming Rat

Ein Quartett, das sich auf dissonante und verwirrende Kompositionen spezialisiert hat. Fans von Imperial Triumphant, Deathspell Omega und Ulcerate werden sich hier wohlfühlen. Dissonanter Blackened Death Metal. Aufgebaut als dreiteiliges kosmisches Todesritual, ist dieses Album nichts für schwache Nerven. Es ist ein rasender Abstieg in den Wahnsinn, bei dem ein sterbendes Sonnensystem und - seltsamerweise - ein Vibraslap eine Rolle spielen. Es ist die perfekte Musik, um ruhig durch den Wärmetod des Universums zu treiben, während sich dein Verstand langsam auflöst.

War on Women - Time Under Tension

Eine gemischte Hardcore-Punk-Band, die für ihren intersektionalen Feminismus und ihr Engagement bekannt ist. Sie schlagen eine Brücke zwischen der Energie der Riot-Grrrl-Bewegung der 90er Jahre und modernem melodischem Punk. Hardcore-Punk mit Experimenten in Richtung Alternative Rock und Indie-Klängen. Es ist selten, dass man ein Album findet, das gleichzeitig Lust auf eine Revolution und einen Moshpit macht, aber War on Women schaffen das. "Time Under Tension" wirkt verletzlicher und melodischer als ihre bisherigen Werke - mit ihrem ersten echten Liebeslied -, hat aber immer noch genug Kraft, um dem Patriarchat den Wind aus den Segeln zu nehmen.

Warside - Cognitive Extinction

Die Band, die seit über acht Jahren in der französischen Szene aktiv ist, präsentiert sich auf diesem Debütalbum in neuer Besetzung. Sie lässt sich maßgeblich von brutalen Schwergewichten wie Dying Fetus, Vomitory und Misery Index inspirieren. Brutal Death Metal. Der Sound zeichnet sich durch chirurgische Präzision, Maschinengewehr-Drumming und einen raueren, direkteren Ansatz als auf ihrer vorherigen EP aus. Dieses Album ist eine akustische Warnung vor der digitalen Lobotomie moderner Bildschirme. Es ist schnell, gnadenlos und technisch ausgefeilt. Wenn du dir dein Gehirn von unerbittlichen Double-Bass-Pedalen und kehligen Vocals zu Brei zermahlen lassen willst, während du über den Niedergang der menschlichen Intelligenz nachdenkst, ist dies dein Soundtrack.

Who On Earth - It Takes The Village

Diese Band besteht aus erfahrenen Musikern der Rock-Szene der Ostküste, darunter auch Mitglieder, die Verbindungen zum legendären Mike Portnoy haben. Sie sind stark von der Goldenen Ära des Hardrock beeinflusst - man denke an Black Sabbath, Led Zeppelin und Rush. Hardrock / Heavy Metal. Ihre Musik ist melodisch, riffbetont und führt mit moderner Produktion stolz die Tradition des klassischen Rocks der 70er- und 80er-Jahre fort. Wenn du die Zeiten vermisst, als Rocksongs riesige Refrains und noch größere Gitarrensoli hatten, ist dies deine neue Lieblingsplatte. Es ist Dad Rock im besten Sinne - solide, verlässlich und dazu gedacht, laut und mit heruntergelassenen Fenstern gespielt zu werden. Es ist gefühlvoll, rau und voller dieser typischen Jersey-Attitüde.

Wounded Touch - They Promised Eden (Vol 1)

Mit Mitgliedern von The Banner und Great Reversals ist diese Band ein fester Bestandteil der Emotional-Hardcore-Underground-Szene im Mittleren Westen. Sie lassen sich stark von der kantigen, metallischen Energie der Pioniere der 90er Jahre wie Poison the Well und 7 Angels 7 Plagues inspirieren. Emotionaler Metallic Hardcore. Freut euch auf chaotische Riffs, wechselnde Taktarten und rohen, kehlenschneidenden Gesang, der zwischen Aggression und Verzweiflung schwankt. Dieses Album ist ein rasender Sprint durch ein brennendes Haus. Es fängt jene Panik ein, die einen auf die Stuhlkante treibt und die nur klassischer Metalcore bieten kann. Es ist aggressiv und technisch ausgefeilt, doch unter all der Verzerrung verbirgt sich ein blutendes Herz. Es ist die perfekte Musik, wenn man einen Schrei loslassen muss, aber trotzdem etwas Eingängiges haben will, das man später vor sich hin summen kann.

Yoal, Satomimagae - Gloaming

Yoal ist ein Projekt, das tief in der Dark-Folk- und Experimental-Underground-Szene verwurzelt ist. Der Künstler lässt sich stark von den dunklen Ecken der Ästhetik des 19. Jahrhunderts und der rohen Emotionalität des frühen Blues und des rituellen Folk inspirieren. Das Ergebnis ist Experimental Dark Folk oder Chthonic Folk. Es basiert auf unheimlichen Gitarrenklängen, traurigem Gesang und minimalistischer Percussion, die den Eindruck erweckt, als würde sie tief im Wald gespielt. Dies zu hören ist wie das Lesen eines Gothic-Romans bei Kerzenschein, während draußen ein Sturm aufzieht. Es ist eindringlich, zerbrechlich und ein bisschen unheimlich - die Art von Musik, die einen dazu bringt, sich umzuschauen, selbst wenn man allein zu Hause ist. Es ist schön auf eine Art und Weise, wie es eine verfallende viktorianische Villa sein kann.

Yoth Iria - Gone With The Devil

Angeführt vom legendären Jim Mutilator, einem Gründungsmitglied von Rotting Christ und Varathron. Die Band ist ein Eckpfeiler des Hellenic-Black-Metal-Sounds, der die Kühle des norwegischen Metal gegen mediterrane Atmosphäre und okkulte Mystik eintauscht. Melodischer Black Metal mit Gothic- und Folk-Anklängen. Dieses Album zeichnet sich dadurch aus, dass es experimenteller und uneingeschränkter ist und ihrer rasanten Grundlage cineastische Melodien und rituelle Kraft verleiht. Das ist Black Metal mit Bräune. Es ist grandios, theatralisch und überraschend warm, wie eine Mitternachtszeremonie auf einem griechischen Hügel. Zwischen den rasanten Blastbeats finden sich hochfliegende Gitarrensoli, die eher an klassische Heavy-Metal-Abenteuer erinnern als an typischen Extreme Metal. Es ist episch, düster und unbestreitbar kraftvoll.

Yoyo Club 66 - Yoyo Club 66

Die Band, die aus der Lo-Fi- und DIY-Szene hervorgegangen ist, nutzt einfache Geräte wie White-Rat-Pedale und Tonebender-Fuzz, um mit minimalistischem Equipment eine gewaltige Klangwand zu erzeugen. Sie beschreiben ihren Sound als Offside Post-Metal. Es handelt sich um eine schwere, instrumentale Mischung aus Post-Rock, Doom und Lo-Fi, bei der rohe Kraft und elektrisches Handwerk Vorrang vor einer ausgefeilten Produktion haben. Das ist Basement-Tape-Energie vom Feinsten. Es ist die Art von Musik, die Lust macht, in einer dunklen Garage etwas aus Altmetall zu bauen. Obwohl sie nur über ein paar Saiten und etwas Schlagzeug verfügen, schaffen sie eine schwere, hypnotische Atmosphäre, die sich anfühlt wie eine Verfolgungsjagd in Zeitlupe durch eine regennasse Stadt.

Yvonne Rogers - The Button Jar

Rogers ist eine vielfach ausgezeichnete Pianistin und Komponistin, die mit dem Next Jazz Legacy Award geehrt wurde. Sie wuchs in einem Haushalt ohne Fernseher auf und fand ihre Inspiration in der Natur und in dem Glas mit bunten Bastelknöpfen ihrer Mutter. Ihr Schaffen ist stark von Improvisation und einem organischen Rhythmusgefühl geprägt. Es handelt sich um ein Solo-Klavieralbum, das sich im Bereich des Progressive Jazz und der zeitgenössischen Klassik bewegt. Produziert von der renommierten Kris Davis, schafft es eine Balance zwischen verspieltem Spaß und akribischer Handwerkskunst. Wenn Sie jemals still dagesessen und Staubkörnchen beim Tanzen in einem Sonnenstrahl beobachtet haben, werden Sie dieses Album verstehen. Es ist intim und weitläufig; Rogers spielt ebenso sehr mit der Stille wie mit den Noten. Es ist wie eine klangliche Erinnerungskiste - jeder Titel fühlt sich an, als würde man einen einzigartigen, verwitterten Knopf aus einem Glas ziehen und sich fragen, welche Geschichte er birgt.

Zaraza - ...And You Will Remember This Winter

Sie haben ihre Wurzeln in der Underground-Metal-Szene der Appalachen und konzentrieren sich auf die rohe und atmosphärische Seite des Genres. Raw Black Metal. Der Titel lässt vermuten, dass Themen wie Natur, Isolation und (wenig überraschend) der Winter im Mittelpunkt stehen. Wenn du Musik magst, die klingt, als wäre sie in einer vereisten Höhle während eines Schneesturms aufgenommen worden, ist dies dein Soundtrack. Er ist aggressiv, eindringlich und kalt genug, um dich nach einem Pullover greifen zu lassen. Er ist das perfekte klangliche Äquivalent eines grauen, beißend kalten Morgens in den Appalachen.

ZEP - NO ENEMIES

ZEP ist ein niederländischer Produzent, Schlagzeuger und Ein-Mann-Musik-Armee aus der Amsterdamer/Rotterdamer Szene. Er ist ein am Konservatorium ausgebildeter Multi-Instrumentalist und der Sohn von Bazz Barnasconi (Frontmann der niederländischen Rockband Vankatoen). Er ist ein energiegeladener Genre-Mischer, der Punk, Techno, Hip-Hop und R&B miteinander verbindet. Man stelle sich partytaugliche Elektronik mit Live-Bass und starker Verzerrung vor. Diese Platte ist eine chaotische Rave-Party in einem Keller, der irgendwie über perfekte Akustik verfügt. ZEP nutzt alles von traditionellen Trommeln bis hin zu Basketbällen und Gartenschläuchen, um Beats zu erzeugen, was zu einer FUGAZZI-Party-Stimmung führt, bei der es unmöglich ist, still zu sitzen.

Zsela, Daniel Aged, Taul Katz - 4 Dreams

Zsela stammt aus einer Familie mit langer künstlerischer Tradition - ihr Vater ist Marc Anthony Thompson (Chocolate Genius Inc.) und ihre Schwester ist die Schauspielerin Tessa Thompson. Aged und Katz bringen hochkarätige Produktionserfahrung und filmisches Gewicht mit. Freuen Sie sich auf eine wogende ambient-neoklassische Halluzination. Während Zsela sich normalerweise im Bereich von Art-Pop und alternativem R&B bewegt, tendiert diese Veröffentlichung eher zu klassischem Minimalismus und spirituellem Jazz, der an Alice Coltrane oder Dorothy Ashby erinnert. Stellt euch vor, ihr schwebt in einem warmen Salzwassertank, während jemand aus dem Nebenzimmer Jazz-Standards summt. Es ist filmisch und auf die bestmögliche Weise schwül - Zselas gefühlvolle, sirupartige Stimme wirkt wie ein Leuchtturm in einem Meer aus nebligen FM-Synths und filmischen Streichern.

Earlier the week ...

Abuser - Blood Marks

Ein brutales Trio (mittlerweile ein Quartett) aus Polen, das ursprünglich 2018 von Mitgliedern von Bands wie Miecz und Raging Death gegründet wurde. Wilder, riffgetriebener Thrash Metal. Stark beeinflusst von den Big Three des deutschen Thrash der 80er Jahre (Kreator, Sodom, Destruction) und der rohen Aggression von Morbid Saint und Demolition Hammer. Pure, unverfälschte Energie, die einem wie ein Nagel in den Körper hämmert. Rebellisch, adrenalingeladen und wunderbar frei von kommerziellem Schnickschnack. Wenn du eine 36-minütige Strafzettel in Audioform suchst, die den rohen, ungezügelten Geist eines Teenagers einfängt, der gerade eine alte Kassette entdeckt hat, dann ist das hier genau das Richtige.

Alabaster DePlume - Dear Children of Our Children, I Knew: Epilogue

Alabaster DePlume International Anthem (Angus Fairbairn) ist ein in Manchester geborener und in London lebender Saxophonist, Dichter und Aktivist. Diese EP entstand während eines spontanen freien Tages in Brooklyn im Rahmen seiner US-Tournee im März 2025, um die elektrisierende Chemie einzufangen, die zwischen ihm, dem Bassisten Shahzad Ismaily und dem Schlagzeuger Tcheser Holmes herrschte. Sein Sound ist eine trotzige, genreübergreifende Mischung aus Spiritual Jazz, Ethio-Jazz und Folk, die aufgrund seiner entwaffnend ehrlichen sozialen Kommentare oft mit einem Trojanischen Pferd verglichen wird. Die Musik ist tief in der Improvisation und einer gemeinschaftlichen Energie verwurzelt, bei der der Mensch im Mittelpunkt steht. Dies ist nicht nur eine Platte; es ist ein lebendiges Dokument der Menschlichkeit und des Protests. Es fühlt sich an wie ein nächtliches Flüstern, das irgendwie die Wucht eines Schreis in sich trägt. DePlume verwebt eindringliche Saxophonmelodien mit Feldaufnahmen von spielenden Kindern im Westjordanland und schafft so eine Klanglandschaft, die unglaublich zart ist und doch vor politischer Dringlichkeit knistert. Es ist Musik, die dich auffordert, präsent zu sein, kostbar zu sein und der Welt zuzuhören, wie sie wirklich ist - und das alles, während sie wie ein warmer, leicht exzentrischer Jazz-Traum klingt.

Babymonster - Choom

Die Gruppe, die 2023 im Rahmen der Reality-Show Last Evaluation gegründet wurde, gilt als Vorreiter der 5. K-Pop-Generation und ist bekannt für ihre vielseitigen Fähigkeiten in den Bereichen Gesang, Rap und Tanz. Ihr Sound ist geprägt von K-Pop, Hip-Hop und zeitgenössischem R&B. Als wichtigste Einflüsse nennen sie ihre Labelkolleginnen Blackpink und 2NE1. Getreu seinem Namen (Choom bedeutet auf Koreanisch "Tanz") ist dieser Track eine energiegeladene Einladung zum Tanzen. Er hat diesen typischen YG-Swagger - schwere Beats, eingängige Synthesizer und genug Energie, um eine kleine Stadt mit Strom zu versorgen. Er ist das klangliche Äquivalent eines neonbeleuchteten Tanzwettbewerbs.

Blue Lab Beats - The Blue Lab Beats Show

Das Grammy-gekrönte Duo besteht aus NK-OK (Namali Kwaten) und Mr DM (David Mrakpor). Dies ist ihr fünftes Studioalbum, das unabhängig unter ihrem eigenen Label Blue Adventure Records erschienen ist. Jazz, Hip-Hop und Electronica. Es ist eine 16-Track-Reise um die Welt, die Jazz-Fusion der 70er Jahre (die an Azymuth erinnert), brasilianischen Progressive-Jazz und den typischen Sound von New Orleans mit modernem Dancehall und britischem R&B verbindet. Diese Platte ist eine Party zum zehnjährigen Jubiläum, zu der jeder eingeladen ist. Da sie sich für den Independent-Weg entschieden haben, hatte das Duo die völlige Freiheit, eine riesige Riege von Freunden einzuladen - darunter Jamila Woods und Denzel Himself. Das Album ist geschmeidig, unglaublich clever und fühlt sich an wie eine Siegesrunde für zwei der fleißigsten Musiker Londons.

Burning Haze - House In The Dark

Die Band ist seit etwa 2022 aktiv und dafür bekannt, über ihre Veröffentlichungen hinweg eine Geschichte zu erzählen. Sänger Cyril Chusseau beschreibt dieses Album als das abschließende Kapitel einer dreijährigen Reise durch die Dunkelheit. Metalcore und Alternative Metal. Ihr Sound zeichnet sich durch düstere Stimmungen, aggressive Riffs und emotionale Gesangsdarbietungen aus und wird oft mit Bands wie Spiritbox, Northlane und Sleep Token verglichen. Wolltest du schon immer mal deine existenzielle Angst in ein gemütliches Zuhause verwandeln? "House In The Dark" ist der Soundtrack dafür. Es ist laut, es ist düster, und es bietet genug Bleughs und Breakdown-Energie, um dir die Zähne klappern zu lassen. Es ist für jene Tage, an denen du aufgehört hast, vor deinen Dämonen davonzulaufen, und beschlossen hast, sie einfach auf einen Kaffee einzuladen - extra stark, versteht sich.

Carín León - Muda

Obwohl er ein Gigant der regionalen mexikanischen Musik ist, stellt "Muda" eine deutliche Abkehr von seinem bisherigen Stil dar. Das Album verbindet seine traditionellen Wurzeln mit Pop, experimentellem Rock, Ska, Salsa und Cumbia. Bevor er zum Star der regionalen mexikanischen Musik wurde, galt Leóns größte Leidenschaft dem Rock. Für dieses Projekt arbeitete er mit Meistern wie Edgar Barrera und Legenden wie Juanes zusammen. Der Titel bezieht sich sowohl auf seine Heimatstadt (das "H" in Hermosillo ist "muda" oder stumm) als auch auf das "Häuten". Es ist eine Reise mit 14 Titeln (weitere werden folgen), die sich wie ein persönliches Manifest anfühlt. Es ist geschmeidig, experimentell und beweist, dass ein Löwe tatsächlich seine Flecken ändern kann - oder zumindest sein Genre.

Cortis - GreenGreen

Die als Young Creator Crew bekannte Gruppe besteht aus fünf Mitgliedern (Martin, James, Ju-hoon, Seong-hyeon und Keon-ho), die alle maßgeblich am Songwriting, an der Choreografie und an der visuellen Gestaltung beteiligt sind. Ihr Name ist die Abkürzung für Color Outside the Lines und spiegelt ihre Philosophie des freien Denkens wider. Energiegeladener K-Pop und Hip-Hop gemischt mit Plugg, Trap und Future Bass. Dieses Album ist wie ein neonbeleuchteter Energy-Drink. Es ist ausgefeilt, besitzt aber eine rohe Subjektivität, in der Grün für ihre Ziele steht und Rot (der Titelsong "REDRED") für die Dinge, die sie hinter sich lassen wollen. Es ist die Kraft der Generation Z in akustischer Form - dynamisch, stilvoll und man kann dabei unmöglich still sitzen bleiben.

Darko US - Oni 2

Ein Super-Duo bestehend aus dem Sänger Tom Barber (Chelsea Grin) und dem Multi-Instrumentalisten Josh Miller (ex-Emmure/Spite). Sie sind bekannt als reines Studio-Projekt, das unglaublich komplexe, selbst produzierte Musik veröffentlicht. Deathcore trifft auf Industrial/Experimental. Ein chaotischer Mix aus technischem Mathcore, schweren Synthesizer-Klängen und Nu-Metal-Attitüde. "Oni 2" ist, als wäre man in einem glitchigen Videospiel gefangen, in dem der Endgegner eine defekte Kettensäge ist. Es ist laut, es ist verwirrend, und man hat das Gefühl, als würde das eigene Gehirn defragmentiert. In einem Moment ist es pure, furchterregende Aggression; im nächsten eine seltsam schöne elektronische Klanglandschaft. Es ist das musikalische Äquivalent einer digitalen Panikattacke, und man wird jede Sekunde davon lieben.

Dazr - Do Or Die

DÅZR besteht aus jungen Rockern unter der Leitung von Sänger Austin Hendrix und seinem Bruder, dem Gitarristen Grant Hendrix, sowie dem Bassisten Matthew Shranko und dem Schlagzeuger Shalor. Sie sind Teil einer aufstrebenden New Wave of Classic Rock Bewegung, deren Ziel es ist, den analogen, energiegeladenen Rock für eine neue Generation am Leben zu erhalten. Eine mitreißende Mischung aus Hard Rock, Classic Rock und Rock’n’Roll. Wenn du den Sound einer Garagenband vermisst hast, die tatsächlich weiß, wie man ihre Verstärker auf elf dreht, dann ist Do Or Die dein neuer bester Freund. Es ist unverfälschter, unverdünnter Rock’n’Roll, der sich wie eine Lederjacke für deine Ohren anfühlt. Austin Hendrix’ Gesang schwebt über Grants ansteckenden Hooks und Riffs, die eindeutig darauf ausgelegt sind, dir tagelang im Kopf zu bleiben. Es ist ein Album, das nicht versucht, das Rad neu zu erfinden - es montiert einfach ein paar Nitro-Booster daran und rast direkt in den Sonnenuntergang. Es ist laut, es ist heavy, und es ist ein absoluter Knaller für alle, die finden, dass Rock immer noch Spaß machen und gefährlich sein sollte.

Defier - Trauma Model

Entstanden aus einer Außenseiter-Mentalität, legt die Band Wert auf Authentizität und Widerstand gegen gesellschaftliche Normen und verbindet ihre Musik oft mit einer ganz eigenen Ästhetik. Modern Deathcore und Djent. Sie schöpft aus der erdrückenden Schwere von Bands wie Amenra oder Cult of Luna, gemischt mit der rohen, dissonanten Aggression des modernen europäischen Hardcore. Trauma Model ist so fröhlich wie ein regnerischer Montag auf einem Friedhof. Es ist heavy, aber nicht im Sinne von „Lasst uns moshen“ – eher im Sinne von „Lasst uns über unsere kollektive existenzielle Angst nachdenken“. Die Riffs sind dicht, der Gesang klingt, als würde er durch Glas gezogen, und die Atmosphäre ist herrlich erdrückend. Es ist der perfekte Soundtrack, um eine Wand anzustarren und Dinge sehr tief zu empfinden.

Extinct - In Conspiracies We Trust

Ein wildes Quartett aus Kiel/Schleswig. Seit 2003 gehören sie zur festen Größe der deutschen Metal-Szene. Klassischer germanischer Thrash Metal. Man stelle sich aggressive Old-School-Vibes der 80er Jahre vor, gemischt mit moderner, vernichtender Death/Thrash-Produktion. Es ist ein Thrash-Metal-Statement, das sich direkt gegen das Chaos der modernen Gesellschaft richtet. Die Texte behandeln alles von politischen Verzerrungen bis hin zu sozialen Spannungen. Musikalisch oszilliert das Album zwischen stampfenden Midtempo-Grooves und Slayer-artigen Blastbeats - im Grunde der perfekte Soundtrack für einen höflichen Aufstand.

Galibot - Catabase

Galibot, die aus der French Black Metal Horde hervorgegangen sind, erlangten mit ihrem 2024 erschienenen Debütalbum "Euch’mau Noir" in der Underground-Szene große Anerkennung. Ihr Name und ihre Themen sind eng mit der Geschichte der Bergleute in Nordfrankreich verbunden. Melodic Black Metal / Post-Black Metal. Sie verbinden die kalten, rauen Klänge des skandinavischen Black Metal mit dissonanten und cineastischen Post-Metal-Passagen. Dieses Album ist ein Abstieg (Katabase) in den wörtlichen und metaphorischen Untergrund. Es klingt, als stöhne die Erde selbst - schwer, dunkel und monumental. Es fängt die Bleu Noir Rouge Ästhetik (Blau Schwarz Rot) ihrer Region perfekt ein und verwandelt die Industriegeschichte in ein ritualistisches Black-Metal-Meisterwerk, das sich zugleich uralt und gefährlich modern anfühlt.

HWXXNG - K-Core

HWXXNG (alias Jaeho Hwang) ist ein in Seoul geborener, in Berlin lebender Produzent und DJ. Er gilt als Pionier des K-Core oder Asian-Core. Er verbindet Industrial Techno und Hardstyle mit traditioneller koreanischer Musik (Gugak), darunter schamanische Melodien und 800 Jahre alte zeremonielle Gesänge. Das Ergebnis ist ein cyber-schamanischer Aufruhr. HWXXNG nimmt alte Fragmente und zerreißt sie mit kompromisslosen Techno-Kicks. Es ist aggressiv, ritualistisch und energiegeladen - im Grunde das, was passiert, wenn eine traditionelle koreanische Percussion-Gruppe in einen dunklen Berliner Keller kommt und beschließt, eine Revolution zu starten.

Kill Chain - Demo 2026

Eine Supergroup der Hardcore-Szene von Vancouver, bestehend aus Andrew Neufeld (Comeback Kid) am Gesang sowie Mitgliedern von A Mourning Star (Ravi Bhatti, Christian Frizzle, Kelsey Leah) und Bayonet Dismemberment (Nathan Pope). Metallic Hardcore / Death Thrash. Die Band bedient sich einer Retro-Cyber-Ästhetik - man denke an Hackers oder The Matrix -, während ihr Sound in aggressiven Death- und Thrash-Metal-Einflüssen verwurzelt ist. Das ist ein direkter Angriff in musikalischer Form. Es ist unerbittlich, authentisch und völlig frei von jeglicher erzwungener Komplexität - einfach pure, wütende Aggression, geschaffen für heftige Mitsing-Passagen und überfüllte Pits. Es ist die perfekte musikalische Untermalung für einen regnerischen Tag, an dem man eine digitale Revolution plant.

Lelo - Mastiff

Lelo ist ein aufstrebender Rapper und Texter aus dem amerikanischen Mittleren Westen (der insbesondere mit dem New-Detroit-Sound in Verbindung gebracht wird). Dieses Projekt ist fest im Midwest-Hip-Hop verankert, insbesondere in der Rugged-Luxury-Bewegung und dem melodischen Flow. Freut euch auf energiegeladene Produktionen, die raue Street-Lyrik mit erstklassigem, modernem Wortspiel im East-Coast-Stil verbinden. Wenn du Rap mit einer starken Storyline und einer Big-Dog-Attitüde magst, bist du hier genau richtig. Es ist kraftvoll, roh und voller Selbstbewusstsein, das darauf hindeutet, dass Lelo bald ein ganz großer Name sein wird. Es ist das klangliche Äquivalent eines schnittigen Autos, das um Mitternacht durch eine regennasse Stadt fährt - stilvoll, aber gefährlich.

Old Stone - The Sigil of Old

Dieses Projekt, das stark von der Atmosphäre des Black Metal der 90er Jahre und mittelalterlicher Fantasy geprägt ist, nutzt halllastige Synthesizer und Feldaufnahmen (Wind, Regen, knisterndes Feuer), um höhlenartige und mystische Klanglandschaften zu erschaffen. Dungeon Synth, Dark Ambient und Fantasy-Musik. Dies zu hören ist, als fände man in einer Ruine ein staubiges, in Leder gebundenes Buch und würde erkennen, dass es sich tatsächlich um ein Portal handelt. Es ist langsam, düster und tief einnehmend - der perfekte Soundtrack zum Bemalen von Miniaturen, zum Lesen von Tolkien oder einfach dazu, sich vorzustellen, man sei ein Zauberer, der einen sehr feuchten Turm bewacht.

Ryan Castro, J Balvin - Omerta

Beide sind Größen aus Medellín, Kolumbien. J Balvin ist der weltbekannte Reggaeton-Veteran, während Ryan Castro (bekannt als "El Cantante Del Ghetto") sich vom Straßenmusiker zu einem Vorreiter der neuen Generation hochgearbeitet hat. Es handelt sich um ein Reggaeton- und Dancehall-Projekt der Extraklasse, das jedoch mit Trap-, Rock- und Elektro-Elementen gewürzt ist. Die Einflüsse reichen von Old-School-Reggaeton aus Puerto Rico bis hin zu Ryans Zeit auf Curaçao, die einen unverwechselbaren karibischen Flow hinzufügte. Stellt euch das als ein Godfather-Epos vor, unterlegt mit einem Perreo-Beat. Trotz des mafiös klingenden Titels geht es hier nicht um Kriminalität; es ist eine Hommage an den Kodex der Loyalität und die Werte Familie geht vor, die sie teilen. Es ist geschmeidig, visuell und fühlt sich an wie eine Stabübergabe von Balvin an Castro.

Sins Of Shadows - The Last Frontier

Sins Of Shadows ist eine französische Heavy-Metal-Band, die Anfang der 2010er Jahre vom Bassisten Sébastien Normand gegründet wurde. Auf diesem dritten Album ist der kraftvolle Gesang von Tasos Lazaris zu hören. Ihr Sound ist eine energiegeladene Mischung aus Heavy Metal, Power Metal und Progressive Metal, stark beeinflusst von der NWOBHM und dem klassischen Shred der 80er Jahre. Macht euch bereit für ein paar ordentliche Nackentrainingseinheiten. "The Last Frontier" ist ein absolutes Riff-Fest, das technische Präzision mit gewaltigen, mitreißenden Refrains in Einklang bringt. Es ist dramatisch, filmisch und laut - im Grunde das musikalische Äquivalent eines silber-chromfarbenen Raumschiffs, das durch ein Gewitter fliegt.

Thrownness - Marrow Part II: A Fire Through The Ether

Ein atmosphärisches Sludge-Projekt, das auf den Grundlagen von Pionieren wie Neurosis, Cult of Luna und Amenra aufbaut. Diese Veröffentlichung ist der zweite Teil einer konzeptionellen Reise, die mit ihrer 2024 erschienenen EP "Marrow" begann. Atmosphärischer Sludge / Post-Metal. Im Mittelpunkt stehen monolithische Riffs, dissonante Strukturen und weitläufige, erzählerische Kompositionen, bei denen emotionale Katharsis im Vordergrund steht. Das ist heavy sowohl im physischen als auch im emotionalen Sinne. Es ist ein sich langsam entfaltendes Erlebnis, das sich anfühlt, als würde man durch dichten Nebel gehen, der sich schließlich lichtet und einen riesigen, brennenden Stern enthüllt. Es ist eine Hommage an den Verlust und eine Suche nach Sinn, dazu gedacht, in einem Zug angehört zu werden, während die Welt draußen verschwindet.

Warp Transmission - Excess Currents

Eine Gruppe von Heavy-Psych-Overlords, die in analogen Studios aufnimmt, um einen rauen, authentischen Sound einzufangen. Sie lehnen gängige Etiketten wie Stoner Rock oder Shoegaze ab und konzentrieren sich lieber auf Urinstinkte und exzessiven Lärm. Heavy Psych, Space Rock und das, was die Band als Primordial Ooze Rock bezeichnet. "Excess Currents" ist ein Album, das wie ein verrückter Zufall wirkt. Es ist laut, berauschend und fühlt sich an wie eine Reise durch die Leere, in der die einzige Konstante eine vibrierende Basslinie ist. Es ist für den Hörer, der vor dem Ende des Songs ein paar Brücken hinter sich abbrechen und ein paar Abgründe überqueren möchte.

Øresund Space Collective - Espaço 3

Unter der Leitung von Dr. Scott "Dr. Space" Heller ist das Kollektiv seit 2004 aktiv. Es ist dafür bekannt, niemals zu proben; ihre Musik besteht ausschließlich aus improvisierten Jam-Sessions. Sie haben sich auf Space Rock, Experimental und freie Improvisation spezialisiert. Zu den wichtigsten Einflüssen zählen die Berliner Schule (Tangerine Dream, Klaus Schulze), Krautrock (Can) und psychedelische Legenden wie Hawkwind und Pink Floyd. Stell dir vor, du fährst auf einem Surfbrett durch eine Nebelwolke. "Espaço 3" ist weniger ein "Song" als vielmehr eine pulsierende, kosmische Lavalampe für deine Ohren. Es ist trippig, meditativ und perfekt, wenn du für eine Stunde vergessen möchtest, dass die Erde existiert.

Циферблат - Melankholiia

Ein dynamisches Trio aus Kiew, Ukraine, bestehend aus den Brüdern Daniil (Gesang) und Valentyn Leshchynskyi (Gitarre) sowie dem Schlagzeuger Fedir Khodakov. Sie sind Meister des Art-Rock und Alternative Rock und werden oft für ihre progressive Herangehensweise gelobt. Ihr Sound ist eine raffinierte Mischung aus 80er-Jahre-Synth-Pop, Indie-Rock und theatralischer Energie, was Vergleiche mit einer modernen, ukrainisch angehauchten Interpretation von Pink Floyd oder sogar japanischem City-Pop hervorruft. Wie der Name schon sagt, ist es ein Eintauchen in die schöne Traurigkeit. Es ist filmisch und üppig - stell dir vor, du gehst durch eine regnerische Stadt, in der sich Neonlichter in den Pfützen spiegeln, während jemand in der Nähe auf einem sehr teuren Synthesizer spielt. Es ist stimmungsvoll, aber so ausgefeilt, dass man trotz der Tränen tanzen möchte.